O revendedor da Uber, Larry Gagosian, exibe arte indígena australiana, a Bloomingdale’s a exibe em bules de chá nas vitrines de Manhattan, e o ator de Hollywood Steve Martin é um colecionador ávido. Há um grande avanço internacional chegando?
12 de outubro de 2023
Salvar
Faça login e inscreva-se para salvar artigos para mais tarde.
Salve artigos para mais tarde
Adicione artigos à sua lista salva e retorne a eles a qualquer momento.
Tamanho de texto normal Tamanho de texto grande Tamanho de texto extra grande
Este artigo faz parte da edição de 14 de outubro da Good Weekend. Veja todas as 15 histórias.
Quando Andy Warhol disse: “O melhor museu é o Bloomingdale’s”, ele previu o dia em que a arte seria vista apenas como mais uma mercadoria, como uma chaleira ou uma torradeira. Em maio, as vitrines icônicas da Bloomingdale’s na 59th Street, em Manhattan, exibiam chaleiras, torradeiras e máquinas de café expresso cobertas com padrões distintos do Deserto Ocidental, como parte da promoção An Aboriginal Culinary Journey, da australiana Breville. O projeto, que exigiu três anos de pesquisa e desenvolvimento, produziu uma edição limitada de eletrodomésticos, com os lucros das vendas destinados aos aborígenes. A empresa acredita que este é um bom negócio; pelo menos é um bom carma.
A dez minutos de distância, no depósito dedicado da Uovo em Long Island, Nova York, estava acontecendo uma exposição chamada “60 by 50”, reunindo duas das mais significativas coleções americanas de arte indígena da Austrália. As 60 pinturas em exibição pertenciam ao ator Steve Martin e sua esposa Anne Stringfield, e ao investidor John Wilkerson e sua esposa Barbara — o último casal é conhecido como prolífico comprador de arte popular americana.
Já se passaram pouco mais de 50 anos desde que os homens da comunidade Papunya Tula, no deserto ocidental da Austrália, começaram a pintar suas histórias tradicionais em quadros. Vários trabalhos iniciais criados entre 1971 e 1974 por artistas renomados como Tim Leura Tjapaltjarri, Johnny Warangkula Tjupurrula e Mick Namarari Tjapaltjarri agora fazem parte da Coleção Wilkerson. O casal se interessou pela arte aborígine quando visitou a Austrália em 1994 para ver o filho, que estudava na Universidade de Sydney. Seus planos incluíam imediatamente a aquisição das obras de cada membro da “multidão” original que se reuniu em Papunya. Os Wilkersons podem não ter garantido um conjunto completo, mas reuniram um conjunto de obras que causaria inveja a qualquer museu australiano.
O gosto de Steve Martin é mais moderno, embora ele brinque que isso só acontece porque os Wilkersons ficaram com todas as músicas antigas. Sua parte da exposição incluiu obras importantes de Warlimpirrnga Tjapaltjarri, Doreen Reed Nakamarra, Naath Nungurrayi e George Tjungurrayi, bem como pinturas de artistas lendários como Emily Kame Kngwarreye, Rover Thomas e Paddy Bedford.
60 by 50″ é uma exposição com qualidade de museu realizada em uma cidade há muito reconhecida como o centro do mercado de arte global. Coincidiu com três feiras de arte, incluindo a Frieze New York, onde um fórum sobre arte indígena foi organizado como um evento paralelo apresentando Martin, os Wilkersons, o colecionador de Sydney Danny Goldberg e o curador Bruce Johnson McLane da Galeria Nacional da Austrália, o local só tinha espaço para ficar em pé naquele dia.
Durante a semana Frieze, um leilão de arte aborígine organizado pelo falecido Tim Klingender para a Sotheby’s NYC estabeleceu novos recordes de leilão para nada menos que 13 artistas, incluindo Johnny Warangkul Tupurrul, cujo Water and Bush Tucker Story (1972) foi vendido por US$ 762 mil a um Colecionador europeu.
Anúncio
Das torradeiras com riscas de tigre na Bloomingdale’s às vendas em expansão na Sotheby’s, a arte aborígine está a aproveitar uma onda de popularidade nos Estados Unidos que promete mudar a forma como o trabalho é comprado e vendido, tanto a nível internacional como a nível nacional. O crescente entusiasmo dos colecionadores estrangeiros oferece à Austrália a oportunidade de lembrar ao resto do mundo que criamos uma arte diferente de tudo o que se vê nos EUA ou na Europa. A arte aborígine é atualmente a única obra australiana que o resto do planeta deseja ver, mas é aquela que cria novas oportunidades potenciais para uma gama mais ampla de arte.
Um dos aspectos únicos da arte indígena, por definição, é que o seu poder e autenticidade se baseiam na profunda ligação entre os artistas e o local onde vivem. Artistas do Deserto Ocidental ou da Terra de Arnhem não planejam se mudar para Manhattan para lucrar com sua nova popularidade; No centro do seu trabalho está um relacionamento contínuo com o país. Se os colecionadores públicos e privados quiserem ver a arte aborígine na sua origem, terão de ir à Austrália – e isto abrirá caminho para um maior reconhecimento da arte indígena. Pode-se esperar que sim.
Além da inevitável «tirania da distância», um dos principais obstáculos à arte australiana ao reconhecimento mundial foi o seu relativo barato. Pelos padrões mundiais, nossos artistas e revendedores são pobres e nossas principais obras de arte são baratas. Nos Estados Unidos, artistas que acabaram de se formar na faculdade recebem regularmente preços muito mais altos do que os artistas australianos de 70 a 80 anos. Por exemplo, Guy Warren, que agora tem 102 anos, nunca vendeu pinturas mais de US $ 35. 000.
Mesmo entre os principais colecionadores locais, a opinião estava enraizada de que a arte australiana vale a pena ou deve ser barata. Um comprador rico que vai às feiras de Basileia de Art em Basileia, Miami Beach, Paris ou Hong Kong e diminuirá US $ 1 milhão com um revendedor da Uber, voltará para casa e repelirá o preço de US $ 10. 000 em Sydney ou Melbourne.
O crescente interesse global na arte dos nativos pode significar o começo para esses baixos preços provinciais, atraind o-nos para o mercado internacional — se revendedores e colecionadores permitirem que isso aconteça. No entanto, muitas galerias comerciais líderes da Austrália estão bastante satisfeitas em vender seu trabalho no mercado local, evitando despesas e problemas associados a feiras. Isso se deve em parte à era dos revendedores que não querem ir ao nível mundial quando têm tudo em casa. Mas a indústria artística é geralmente semelhante a qualquer outro negócio em que uma estagnação confortável leva a um declínio gradual ou, neste caso, a uma crescente marginalização.
A nova geração, liderada por galerias comerciais australianas, como Sullivan+Strumpf, estação, isso não é fantasia e cavalo de giz, demonstra um pouco mais de aventuras. O revendedor de Melbourb D’An Davidson abriu recentemente um showroom imperceptível de Nova York, onde vende um trabalho de alta qualidade de residentes indígenas no mercado secundário para os clientes por gravação preliminar. Sendo exatamente o oposto da janela da loja, esse arranjo indica o nível de interesse entre os colecionadores que procuram objetos caros.
Anúncio
Davidson também é um agente de Steve Martin na Austrália — essa conexão com ciúmes se tornou um passo para Davidson no mercado de Nova York. Nos últimos cinco anos, ele ajudou seu prestigiado cliente, cujo conhecido pessoal com a Austrália não foi além dos limites de Sydney e Melbourne, obteve acesso às obras da população indígena de excelente qualidade. Martin é um colecionador com experiência, e agora em sua coleção há mais de 100 pinturas dos aborígines, que ele coloca em pé de igualdade com as pinturas de Georges Serat, Edward Hopper, Georgio Morandi, David Hokni, Francis Bacon, Lucian Freud e Outros contemporâneos famosos.
O aumento no interesse de colecionadores como Martin deve o fato de que os museus estaduais começaram a prestar atenção à cultura dos povos indígenas, o que seria impensável há dez anos.
O recente aumento da atividade é a segunda vinda da arte dos povos indígenas em Nova York. Pela primeira vez, esses trabalhos deixaram o deserto para a metrópole em 1988, quando a exposição de sonhadores, supervisionada pelo antropóloga Peter Satton, foi mostrada nas galerias da sociedade da Ásia e depois em Chicago. O professor Fred Mayers, talvez o principal especialista americano na vida do povo aborígine, chamou esse momento de «o momento em que a arte dos aborígines se tornou decisivamente» arte visual «».
Carregando
Após a exposição Dreamings, o galerista de Nova York John Weber fez uma exposição comercial de pinturas de artistas de Papunei Tula. Para Weber, conhecido como revendedor de obras abstratas e minimalistas, a atratividade da pintura do deserto era mais estética do que antropológica. A emoção eclodiu por um curto período de tempo: parecia que a arte dos aborígines «escapou» para o mercado internacional, mas em breve essa descoberta foi fechada. Era muito grande que a resistência enraizada à idéia era que as pinturas criadas por artistas não treinadas em comunidades remotas do deserto possam ser consideradas arte moderna significativa.
Anúncio
O mundo da arte na época era um clube de elite que defendia seus privilégios. Isso se tornou ainda mais óbvio em 1994, quando o revendedor da arte dos aborígines de Melbourne, agora o falecido Gabriel Pizzi, se recusou a participar da Feira de Arte em Colônia (depois de participar dos anteriores), porque a Comissão de Qualificação declarou que Não estava em suas regras mostrar «arte nacional». Hoje, ninguém — pelo menos os alemães — duvidam que os principais artistas do córtex, como John Mavurnndzhul e James Ayun, estejam envolvidos na arte contemporânea. Trinta anos depois, a natureza inferior deste trabalho, que o desqualificou aos olhos da Comissão de Colônia, torno u-se sua principal vantagem.
Se as questões políticas e de justiça social influenciaram a aceitação generalizada da obra, então o antiquado poder estelar desempenhou um papel crucial nela. Nós o conhecemos como um comediante de tela, mas ele também é um escritor e músico talentoso, além de um perfeccionista que não faz nada pela metade.
A introdução de Martin à arte aborígine começou em 2015, quando viu no The New York Times uma reprodução de uma pintura de Warlimpirrrnga Tjapaltjarri (um dos artistas do projeto Breville), que foi exibida na galeria comercial Salon 94 no Bowery. Martin subiu na bicicleta e foi para a exposição. Ficou impressionado com a pintura de Warlimpirrnga e comprou-a, iniciando um novo caso de amor com a arte que logo se tornaria obsessivo.
“Veja, eu nem sabia que ele era aborígene”, ele admite quando nos encontramos em Nova York em um lindo dia de sol. Acabei de ver uma foto no jornal e, como Worlimpirrnga está ao lado dela, percebi que esta é uma terra estrangeira.» Gostei muito da obra de op art. Eu literalmente perguntei: «Isso está à venda?» — e Descobri que eles eram nominais em termos de arte moderna. Mesmo hoje, estaria disposto a apostar que todos os nossos gastos com esta arte equivalem a uma obra do [artista americano] Mark Bradford.
«Convivemos com a peça por cerca de três semanas sem pensar que era cultural. Era apenas uma pintura que gostávamos. Depois, no Twitter, comecei a olhar imagens de arte aborígine que as pessoas postavam e pensei: “Nunca já vi algo assim! Como muitas dessas pinturas eram muito baratas, comecei a comprá-las online e a cometer todos os erros clássicos. Então comecei a ler sobre eles.»
Como colecionador, Martin é mais do que apenas um caçador de troféus. Embora muitos dos maiores compradores de arte contemporânea do mundo permitam que curadores e consultores selecionem as obras que compram, Martin só compra aquilo de que gosta pessoalmente. Seu crescente fascínio pela arte aborígine o levou a convidar a artista Yukultji Napangati e sua filha para almoçar em seu apartamento, onde ela pôde ver seu próprio trabalho na parede. Fazendo meticulosamente o seu trabalho de casa, Martin leu muito, estudando como, porquê e de onde vem esta arte, maravilhando-se com a natureza de um movimento que floresceu tardiamente e cujas raízes remontam à pré-história. Como um bom filósofo, à medida que seu conhecimento se expandia, ele percebia cada vez mais que não sabia absolutamente nada. Poderia haver um atrativo maior para o verdadeiro colecionador?
Anúncio
Para qualquer pessoa não-aborígene, o conceito mais fundamental subjacente a este trabalho é também o mais difícil de compreender. Não existe um equivalente ocidental para Tjukurpa – anteriormente conhecido como Dreaming – que define a relação de uma pessoa com a comunidade e o cosmos. Tjukurpa é ao mesmo tempo uma lenda e uma religião, um eterno agora que não reconhece diferenças entre passado, presente e futuro.
Carregando
“Quando comecei a fazer isso”, lembra Martin, “comprei todos os livros que pude encontrar e os estudei. Eu entendo.» Depois de dois anos, você pensa: «Não tenho nada disso e deveria parar de pensar nisso. É muito amplo.» É como se você ou eu tentássemos entender como funciona um fundo de hedge! Percebi que realmente precisava enraizar meu entendimento em como esse trabalho se encaixa no mundo da arte mais amplo.»
Penso nessas obras como “pinturas narrativas abstratas”.
Ator Steve Martin
Começou a procurar pontos de contacto familiares, aprendendo a olhar as pinturas como paisagens vistas do ar, com sinais familiares representando viagens, montes, lagoas e locais de encontro.
“Eu simplifiquei para mim mesmo”, diz ele. Vejo essas obras como “pinturas narrativas abstratas”. Por exemplo, se [o artista holandês-americano Willem] De Kooning não pinta uma mulher, ele pinta uma abstração, e essas obras têm um enredo e uma história, elas apenas parecem abstratas.»
Martin, que “viveu toda a sua vida na ironia”, diz que adora a total falta de ironia nas suas pinturas do deserto australiano. Ele também gosta da ideia de que muitos dos melhores artistas só começam a criar tarde na vida.“Na arte contemporânea, todos têm que ser jovens”, diz ele, “mas um jovem artista aborígine tem mais de 50 anos”.
Anúncio
Através de amigos e conhecidos, Martin acabou se conectando com D’Lan Davidson, que se tornou seu guia no labirinto do mundo da arte aborígine, localizando obras-chave e ajudando-o a concentrar suas compras. Na sala “Emily”, a exposição “60 by 50” apresenta 11 pinturas de Emily Kame Kngwarreye, a maioria delas da coleção Martin.
Martin se pergunta por que Kngarrei «eclodiu» de outros artistas, porque ela considera difícil seu trabalho. Ele sabe que as raízes das batatas de batalha ou arbustos estão presentes na maioria de suas pinturas, mas também sabem que elas geralmente estão escondidas atrás de enormes cachos de pontos.»Algumas pinturas são mais nebulosas, outras menos», diz ele.»A narrativa é velada. Existe uma certa sequência, todas as raízes e linhas do Battal, mas varia dependendo de quanto ela revela. Para mim, a qualidade da imagem é determinada por esse equilíbrio. Há uma imagem que é completamente cinza! «
Antes da exposição no UOVO, o trabalho da Martin Collection foi exibido no National Art Club, em Nova York, em 2022. Então, por sugestão de Caroline Fletcher, parceira do então cônsul de Nika Greiner, outro grupo de trabalho foi exibido na residência de Nova York do cônsul australiano. Aqui eles foram combinados com os primeiros conselhos de Papuni da coleção Wilkerson — uma combinação que inicialmente causou o ceticismo de Martin.
Ele se sentiu mais calmo quando viu uma forca e conheceu os Wilkerses.»Eles tiveram fotos iniciais, apenas explosivas», diz ele.»Eu sabia que não podia participar deles, porque havia literalmente nada lá! Quando John e Barbara e eu vimos tudo juntos nas paredes da residência, pensamos:» Isso é fantástico! Onde podemos fazer isso mais publicamente?»
A coleção de Martin já começou a atrair a atenção. De maio a julho de 2019, o famoso traficante de arte Larry Gagosyan realizou uma exposição na Galeria da Madison Avenue chamada «Artistas do deserto australiano». Este foi o show não vendido de Martin, juntamente com o trabalho da coleção de arte nativa, Kluga-Ruh, da Universidade da Virgínia. Outra versão da exposição, Desert Painters of Australia II, foi apresentada na Galeria Gagosiana em Beverly Hills de julho a setembro do mesmo ano. A essa altura, Gagosian estava em ascensão. Em setembro a novembro de 2020, outra exposição será realizada em artistas de Hong Kong, do deserto australiano: duas gerações «de setembro a novembro de 2020 e depois -» Emily: Painter do Deserto da Austrália em sua galeria parisiense de janeiro a março de 2022. O No último dois dos dois últimos, as exposições foram organizadas em colaboração com D’An Davidson.
Pode parecer estranho que um revendedor como Gagosian organize duas exposições sem fins lucrativos das coleções de Martin, mas Martin diz que não tinha pressão para fins de venda. Ele conhece Gagosyan desde que vendeu pôsteres em Westwood, Califórnia, e observou seu desenvolvimento até o momento em que tinha 19 galerias nos EUA, Europa e Ásia, e geralmente é considerado o traficante de arte mais influente e de sucesso do mundo.
A maneira como o mundo das obras de arte contemporânea significa que Gagosyan é realmente muito influente. Os dias se passaram há muito tempo quando críticos, curadores, diretores de museus ou colecionadores foram considerados especialmente influentes. Hoje, o poder real pertence aos principais revendedores que vendem o trabalho de artistas famosos a clientes milionários, e os museus estão alinhados para comprar tudo o que é proposto. Os revendedores cultivam estrelas ascendentes, publicam catálogos luxuosos, fazem doações generosas para galerias estaduais e determinam amplamente quais artistas chegam ao topo em condições de competição rígida. Em galerias como Gagosian, David Zwirner, Hauser & amp; Wirth, ritmo e cubo branco, tantos pontos de vendas em todo o mundo que se parecem com empresas transnacionais.
E, portanto, quando Larry Gagosyan toma uma decisão generosa de mostrar as pinturas dos aborígines coletados por seu velho amigo Steve Martin, isso é mais notável do que qualquer exposição de museus. Ele anuncia que a arte dos aborígines pode se tornar a próxima grande novidade.
«Eu tive a sensação de que ele só queria fazer isso», diz Martin.»Talvez este seja um investimento de longo prazo, mas eu não sei. Ele me disse que este é o único programa que recebeu boas críticas na costa leste e no oeste. Normalmente, se receber boas críticas na costa leste, Então eles começam a mostr á-lo no oeste. «
Você pode adivinhar os motivos de Gagosyan, mas provavelmente ele viu o potencial em uma direção artística madura, que já tem sua própria história e base de colecionadores, mas ao mesmo tempo subestimados pelos padrões internacionais. Além disso, isso se encaixa bem na onda de interesse na arte dos povos indígenas, que cobriam os principais museus. Finalmente, se Steve Martin algum dia decidir vender suas pinturas, ele se considerará obrigado a recorrer a Gagosiano. Mas Martin é apenas um colecionador; Existem muitos outros que podem atrair o interesse óbvio de Gagosyan na arte dos aborígines, e eles verão a melhor opção para vender grandes obras no mercado internacional. Este também é um acordo lucrativo para Davidson, que agora pode se tornar um intermediário entre colecionadores australianos e um líder internacional.
Se a arte dos aborígines aborígines se tornou uma belas artes em 1988 na Exposição de Sonhadores de Nova York, os revendedores e colecionadores estrangeiros levaram muito tempo para se acostumar com esse pensamento. Mesmo em 1988, eles disseram que este trabalho deve perder sua «bagagem» etnográfica antes que possa ser aceita como arte contemporânea. Hoje, quando as instituições tomam formas de arte nã o-decay, a origem das pinturas é um problema menor, mas a apresentação permanece igualmente importante.
Martina agrada a mudança de prioridades na arte internacional, o que levou à descoberta de muitas artistas afr o-americanas e femininas. Ele cita o exemplo de Norman Lewis (1909-79), um artista afro-americano associado a expressionistas abstratos, cujas obras aparecem de repente em todos os museus. A mesma impressão nele foi causada pelo artista do Renascimento de Sophonisba Angissol (c. 1532-1625), quando ele se deparou com uma retrospectiva em Prado em Madri.
Carregando
Reconhecendo que a arte dos aborígines só se beneficiará de tal mudança no foco institucional, Martin acredita que «pequenos momentos», como o show Gagosian e a exposição no UVO, desempenham um papel desproporcionalmente grande na maneira como os colecionadores em potencial percebem essas obras.»Acho que para a América e a Europa é muito importante que esses trabalhos sejam apresentados no estilo mainstream», diz ele.»Eles devem ser reconhecidos como pinturas modernas que parecem boas contra o pano de fundo de muitas outras coisas que vemos. Eles precisam ser mostrados no contexto que levamos para» arte «sem enfatizar sua estranha». Os aborígines podem não ser considerados necessários, mas é muito importante se essas pinturas quiserem se infiltrar no cânone «.
Esse caminho para o reconhecimento significa que as pinturas dos nativas podem ser vistas em museus e galerias comerciais, como Gagosian e Studio 94; nas exposições de coleções particulares, como as coleções de Martin e Wilkerson; Em torradeiras e cafeteiras em Bloomingdale’s. Este é um momento completamente diferente em comparação a 1988, quando a arte dos povos indígenas tentou se livrar de suas associações familiares com revendedores e colecionadores. Finalmente, esses trabalhos encontram seu lugar na ecologia da arte internacional.
O maior desafio é usar o sucesso da arte aborígine para criar um mercado mais viável para a arte australiana como um todo, alterando os preços e as percepções no país de origem. Este será mais um capítulo da história familiar em que os australianos parecem só começar a valorizar a sua arte e os seus artistas quando o resto do mundo começa a comprá-los.
John Macdonald viajou para Nova York com a ajuda do Museu Nacional da Austrália.
Para ler mais cobertura de bom fim de semana, visite nossas páginas no The Sydney Morning Herald, The Age e Brisbane Times.
