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Em 1982, uma exposição de Kandinsky foi realizada na Galeria de Arte de Nova Gales do Sul, na qual foram apresentados mais de 40 obras da coleção Guggenheim. Quarent a-um ano depois, a exposição AGNSW ocorre em Kandinsky, que é apresentada mais de 40 obras da coleção Guggenheim. Se compararmos esses dois eventos, a principal diferença é que a exposição anterior durou apenas um mês e depois foi para Brisben, Adelaide, Perth e Melbourne, enquanto a exposição atual durará em Sydney até 10 de março. Por sete meses, a exposição de 1982 viajou por toda a Austrália, enquanto a versão de 2023 passará quatro meses em um só lugar.
Se você não levar em conta a falta de imaginação, que força a galeria a conduzir a mesma exposição internacional duas vezes, embora com um intervalo de quatro décadas, há outras decepções. Em primeiro lugar, esta é outra exposição de pacotes complementada por aquarela da coleção AGNSW. A publicação que o acompanha é completamente obra de Guggenheim. Reproduz muitos trabalhos que não estão na exposição AGNSW, e não há lista completa de exposições. Não há datas de exposições, nem obrigado.
Ao contrário de 1982, agora as exposições de turismo são limitadas a um site, principalmente porque os governos estaduais e as organizações turísticas exigem exclusividade — uma estratégia curta que muda as despesas de uma galeria, complicando lucro com exposições de turismo.
Para a AGNSW, que perdeu 3 milhões de dólares com o orçamento deste ano, tendo caído sob o terrível «dividendo de eficiência», depende muito da exposição de Louise Bourgeois e da próxima exposição de Louise Bourgeois. Se a galeria é difícil de se arrepender, apenas porque perdeu a chance de aumentar o público, realizando uma exposição no novo prédio para o primeiro ano de trabalho.
VASILY KANDINSKY (1866-1944) — Uma figura de sinal na história da arte contemporânea, mas não um atrator garantido da multidão, como Van Gogh, Monet ou Picasso. Embora ele tenha sido considerado um «inventor» da arte abstrata por um longo tempo, hoje os historiadores da arte afirmam que Kandinsky poderia ter uma pausa no místico Hilma Aflint Clint (1862-1944) ou mesmo ao espiritual vitoriano Georgian Houton (1814-884), que é discutido em uma exposição adicional na AGNSW.
Por alguma razão, a galeria também incluiu na exposição de Kandinsky uma exposição pessoal de obras do artista contemporâneo Desmond Lazaro. Talvez seja uma maneira de preencher uma exposição compacta, mas esse é um ato estranho.
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Lazaro não participa da disputa sobre quem inventou a arte abstrata, mas as reivindicações de Kandinsky permanecem significativas, porque nem Hotton nem Aflint Clint consideraram seu trabalho como abstrações e conscientemente. Os primeiros têm a qualidade da escrita automática, os últimos são diagramas espirituais. Nos dois casos, as obras de arte foram concebidas principalmente como um meio de comunicação com o mundo por trás da linha.
Kandinsky, pelo contrário, era um teórico convencido de uma abordagem analítica. Ele pensou por muito tempo sobre as razões para a rejeição de imagens reconhecíveis e escreveu muito sobre esse tópico.
No livro «Memories» (1913), o artista fala sobre seu hobby para uma das pinturas de Monet «The Hanger Sen» e a peça «Loeller» Wagner, que causou uma explosão de cores em sua mente. O último passo foi dado quando um dia ele voltou ao seu estúdio e encontrou «uma foto indescritivelmente bonita permeada pelo brilho interior». Foi uma foto virada para o lado, mas levou a uma incrível consciência: «Agora eu vi claramente que os objetos são prejudiciais às minhas pinturas».
«O aterrorizante abismo de todos os tipos de deveres foi espalhado na minha frente. E o mais importante deles: como substituir o objeto que faltava? O perigo do ornamento foi revelado a mim com todo o seu óbvio; achei a semelhança morta de formas estilizadas. «
Nem Clint nem Houton pareciam fazer suas próprias perguntas, mas foi nessas fundações intelectuais que a arte abstrata foi construída.
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Considerando essa coleção representativa de obras relacionadas a todas as etapas da carreira de Kandinsky, você pode ver como a natureza de sua pintura muda, dependendo do local de residência e artistas com quem ele se comunica. Em Munique, ele demonstra uma paleta brilhante e expressionista, que foi bastante influenciada pela arte folclórica. Em Moscou, seu estilo se torna mais geométrico em resposta à sua comunicação com a vanguarda russa. Em Bauhauz, em Dessau, ele se aproxima de Paul Klee e é emprestado por algumas características íntimas do trabalho deste artista. Finalmente, em Paris, ele é amigo de surrealistas e começa a usar formas biomórficas livres.
A biografia de Kandinsky, nascido em Moscou em 1866, foi quebrada e distorcida pelas forças da história. Sua combinação única de atividade analítica, emocional e espiritual pode ser vista como um meio de trazer ordem a um caminho turbulento durante o qual ele se encontrava continuamente em ambientes inesperadamente instáveis. Cada movimento foi uma reinvenção, mas, segundo o seu primeiro e praticamente único biógrafo, Will Grohman, Kandinsky nunca esqueceu as suas origens russas e “permaneceu um estrangeiro” na Europa.
Na época do nascimento de Kandinsky, a Rússia vivia um período de liberalização sob Alexandre II, e ele cresceu imerso na arte, na música e na literatura. Suas primeiras disciplinas de estudo foram direito, economia e antropologia, nas quais realizou pesquisas de campo entre comunidades da região de Vologda. Quando foi para Munique em 1896, decidindo estudar pintura, já tinha 30 anos.
Kandinsky permaneceu em Munique até 1914, quando a eclosão da Primeira Guerra Mundial fez dele um inimigo estrangeiro. Ao longo dos anos, passou de amador a estrela em ascensão, cujo trabalho foi exibido em toda a Europa. Ele deixou sua esposa russa Anya e iniciou um relacionamento de longo prazo com a artista alemã Gabriele Münter, com quem se estabeleceu na vila de Murnau e viajou muito.
Nas suas primeiras pinturas deveu muito à arte popular, mas gradualmente desenvolveu um estilo expressionista que utilizava blocos de cores puras. Obras como Blue Mountain (1908-09) e uma série de pequenas paisagens capturam a essência daqueles anos em que Kandinsky passou com entusiasmo de uma descoberta para outra.
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Suas amizades com o artista Franz Marc e o compositor Arnold Schoenberg foram incrivelmente estimulantes. Todos os três contribuiriam para a publicação da antologia «O Cavaleiro Azul» em meados de 1912, que se tornou um marco no início do modernismo e uniu uma das duas importantes escolas do expressionismo alemão, juntamente com «A Ponte» (Der Brücke), formado em Dresde.
Kandinsky teve sua epifania no estúdio e explorou as possibilidades da abstração em obras como Improvisação 28 (segunda versão) (1912). No mesmo ano publicou seu texto mais famoso, “Sobre o Espiritual na Arte”, livro cuja primeira frase: “Toda obra de arte é filha de seu tempo, muitas vezes é a mãe de nossas emoções”, tem um cadência semelhante à famosa primeira frase do romance “Anna Karenina” (1878) de Tolstoi: Todas as famílias felizes são iguais; Cada família infeliz é infeliz à sua maneira.»
Ao regressar a Moscovo durante a guerra, Kandinsky mergulhou numa agitação pós-revolucionária em que os artistas estavam determinados a criar uma nova cultura visual para uma nova sociedade. Os interesses espirituais de Kandinsky ficaram sob suspeita e ele foi forçado a se adaptar aos ideais materialistas apresentados pelos construtivistas. Ele permaneceria na Rússia até 1921, servindo como teórico e planejador cultural, enquanto ocupava vários cargos oficiais importantes.
Pinturas como White Center (1921) e Circles on Black (1921) datam desse período, mas apenas sugerem a intensidade das ideias e debates em que Kandinsky esteve envolvido. Poderíamos ver ambas as obras como simples composições decorativas de formas e linhas flutuando no espaço, mas neste ambiente cada cor e cada gesto estavam imbuídos de significado. Uma determinada linha – horizontal, vertical ou diagonal – poderia ser considerada mais “esquerda” ou progressista que outra. Em sua obra “Sobre o Espiritual na Arte”, Kandinsky chamou o preto de “pira funerária gasta” e o branco de “parede fria e indestrutível”, mas agora ele repensou esses tons de uma forma mais positiva.
Deixando a Rússia no final de 1921 como emissário para a Alemanha, Kandinsky pôde ver para onde se dirigiam os sonhos da vanguarda russa. O realismo socialista já estava a caminho, embora só se tornasse o estilo “oficial” da arte soviética em 1934.
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Tendo recebido um cargo na Bauhaus, a famosa escola alemã de arte e design modernos, do diretor Walter Gropius, Kandinsky iniciou a próxima fase de sua vida como um professor influente. A atmosfera energética da Bauhaus, a comunicação com colegas e alunos agradaram tão bem a Kandinsky que ele pôde continuar trabalhando após os 11 anos que passou neste local. Desta vez foi impedido pela vinda dos nazistas, que dissolveram a escola e o declararam um artista “degenerado”. Além disso, apesar de ele e a sua esposa Nina terem adquirido a cidadania alemã, aos olhos do novo regime eram estrangeiros e comunistas. O próximo e último passo, em dezembro de 1933, foi a mudança para Paris.
A exposição apresenta uma série de pinturas da era Bauhaus, das quais a mais significativa é a Composição 8 (1923), obra que Kandinsky tinha em alta estima. A composição dinâmica de linhas nítidas, grades e círculos luminosos reflete a ênfase na geometria que ele colocou durante sua estada na Rússia e na Alemanha, ao mesmo tempo em que reconhece o poder místico do círculo, uma figura que dominaria futuras composições.
Para os desinformados, pode parecer que Kandinsky era o rei dos rabiscadores, um artista que permitia que formas e figuras abstratas se movessem em suas telas dependendo de seu humor, mas há uma lógica em seu trabalho. Segundo alguns comentadores, em particular o filósofo Michel Henry, devemos compreender que Kandinsky se interessa não tanto pelas coisas que se revelam ao olho, mas pelas ressonâncias invisíveis que provocam no psiquismo do espectador. Em suma, ele pinta sentimentos para os quais as formas visíveis são apenas veículos.
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Na última etapa de seu trabalho, essas formas tornam-se mais fluidas, ele se volta para símbolos xamânicos e formas que lembram amebas nadadoras livres. Isto se deve em parte à sua amizade com surrealistas como André Breton e Joan Miró e ao seu permanente interesse pela ciência, mas é difícil conciliar o artista dos primeiros anos com alguém que pudesse pintar pinturas como Capricious Forms (1937) ou mesmo o vagamente antropomórfico «Yellow Picture» (1938).
Olhando em volta a vida inteira, passada principalmente no exílio, vemos um retrato de um artista extremamente influente, que muitas vezes foi mal interpretado tanto seus doentes e fãs. Kandinsky foi exaltado e reprovado por suas idéias espirituais ou geometria sem sangue, por uma ênfase excessiva na forma ou em sua ausência. Se puder ser definido ou classificado, apenas como um buscador de conhecimento ao longo da vida, que nunca se estabeleceu em um só lugar, nem geograficamente, nem intelectualmente. Embora a história do modernismo e abstração corresponda constantemente, ele é um dos artistas que sempre desempenhará um papel de liderança.
Kandinsky está localizado na galeria de arte de New South Wales até 10 de março.
