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THEATRE SIBERIA Joan Sutherland, Sydney Opera House 2 a 4 de novembro Revisor: JOYCE MORGAN ★★★★
«Espere por deuses melhores.»Assim diz o texto projetado na parede.
Teremos que esperar muito tempo — pelo menos se quisermos que esses deuses nos revelem o nosso futuro.
De cartomantes a entranhas de animais, de ossos de oráculos a biscoitos da sorte, todos esses são objetos aos quais as pessoas recorrem em seu desejo de saber sua sorte.
O artista sul-africano William Kentridge explora este desejo duradouro no seu trabalho sedutor e perturbador que combina a sua animação convincente com música sublime e arte performática numa colagem em que a incerteza, a mudança e a morte são as únicas constantes.
A Sibila do título é uma antiga profetisa de Kuma, a quem as pessoas se voltavam com perguntas sobre a vida e a morte. Ela escreveu suas respostas em folhas de carvalho. Mas quando o vento soprou, as folhas voaram e ninguém sabia se ele havia recebido a previsão “correta”.
A imagem das folhas permeia as duas peças fragmentárias que compõem esta nota dupla. Na animação, folhas são arrancadas de árvores e folhas de livros são espalhadas pelo palco enquanto nove performers tentam ler seus significados.
A primeira obra, The Moment Has Gone, é um filme de 22 minutos em que Kentridge aparece como um artista criando e apagando imagens de carvão enquanto seu duplo observa. Ele entrelaça seus retratos animados de mineiros negros empobrecidos e de um ganancioso dono de uma mina cujo mundo está caindo em ruínas. Este é um trabalho mais abertamente político.
A partitura ao vivo foi executada por um quarteto vocal masculino cujo canto coral no estilo do hesicasmo foi muito comovente. Acompanhado pela pianista Kylie Shepherd. Junto com Nhlanhla Mahlangu, Shepherd também compôs e compôs a música.
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Na segunda obra, Esperando pela Sibila, a sibila, vestida com um manto dourado ondulante, move-se dramaticamente, ainda que silenciosamente, como se estivesse possuída.
É uma ópera de câmara curta – de 42 minutos –, mas sem o libreto habitual. Contém ditos de várias fontes — poetas finlandeses, hebreus, gregos e russos, bem como provérbios africanos. Eles são cantados em quatro línguas bantu e dublados em inglês.
Alguns deles são engraçados, cafonas, provocativos ou incompreensíveis.»Não ceda ao terceiro martini.»»O inverno vai acabar?»“A morte faz crescer sua árvore dentro de você” e “Morre de fome de acordo com o algoritmo”.
Esta obra impressionista está repleta de transformações oníricas, movimento constante e caos. Em meio à turbulência e à incerteza, também há momentos de beleza — principalmente o cantor solitário que encerra a ópera. Esta obra é tão atraente e evasiva quanto as palavras de Sibylla.
THE FACE OF DISO THEATRE Old Fitz Theatre, 1 de novembro a 11 de novembro Revisor: JOHN SHAND ★★★★
A peça se transforma em um instante, assim como às 8h15 do dia 6 de agosto de 1945, a vida de todos os moradores de Hiroshima foi interrompida ou alterada. Até este ponto, no drama suave de Hisashi Inoue, pai e filha discutem tudo o que há de mais significativo em suas vidas na cidade, três anos após a explosão da primeira bomba atômica. Ela ainda paira sobre eles, tempestades aterrorizantes com seus clarões brancos e trovões.
Ela é Mitsue (Mayu Iwasaki), uma bibliotecária de 23 anos. Seu pai, Takezo (Shingo Usami), aos poucos percebemos, não existe de verdade. Ele pode ser um fantasma ou pode viver em sua mente e coração — ambos, cheios de culpa por ela ter sobrevivido à explosão e ele não.
Takezo é tão prático, sábio, bem-humorado e atencioso quanto era em vida; ele se esforça para que Mitsue encontre a felicidade que tornará sua presença desnecessária. O caminho mais rápido para essa felicidade — além de aprender a se perdoar por ter sido um dos que sobraram para viver — seria ela aceitar as investidas de um jovem que frequenta a biblioteca, recompensando Mitsue com presentes como um pãozinho com geléia de feijão. Seu fã procura informações sobre as consequências da explosão da bomba, mas o exército ocupante proíbe tais materiais.
A transformação ocorre quando Takezo fala sobre o calor que a bomba produziu — era duas vezes mais quente que a superfície do Sol, a bola de fogo apagando ou derretendo instantaneamente tudo o que atingia — e isso antes mesmo da onda de choque e da radiação.
Inoue, que morreu em 2010, transmitiu a escala do desastre com grande detalhe e impressões pessoais. A sua peça, cuidadosamente traduzida por Roger Pulvers, é sobre como negamos a nossa humanidade em nome da guerra e sobre a natureza da narrativa.
Mitsue e Takezo são pessoas gentis e simpáticas, interpretados com grande carinho por Iwasaki e Usami, este último também co-dirigindo a produção com David Lynch. Acredita-se que os atores, que às vezes ainda hesitam em entregar suas falas, entrarão ainda mais nos papéis, e o público terá empatia e ficará ainda mais fascinado por seus personagens.
O teatro japonês tem sido amplamente ignorado aqui, então esta é uma escolha brilhante de peça e mais uma prova de que a Red Line Productions é a produtora mais abrangente de Sydney.
THE LIVES OF EVE KXT Theatre na Broadway, 1 a 11 de novembro Revisão por KATE PRENDERGAST ★★★★★
«Você continua, não é!»
Esta frase, pronunciada com a fecundidade afetada da acompanhante de palco Annie Byron — aqui como uma mãe fantasma deslumbrantemente vestida — evoca a primeira explosão de risadas do público. Acabamos de começar o segundo ato da nova peça de Steven Sewell, a primeira do australiano no palco desde 2019.
Os personagens problemáticos desta história continuam realmente vivos, o que talvez fosse de se esperar, dados os dois cenários — o consultório de um psicanalista e uma casa onde um casamento de longa data está se desintegrando. Deveria ter havido muitas conversas. Gradualmente passamos a compreender a peça como uma exploração da linguagem e do seu poder de transformar e destruir.
Porém, principalmente na primeira metade do filme (em que, infelizmente, Byron só tem uma cena), essa conversa constante torna-se cansativa. E embora a segunda metade seja um tanto redentora, às vezes parece que Sewell está trabalhando em suas próprias ideias sobre “o que significa para as mulheres existirem neste mundo”, prestando muita atenção em como o orgasmo feminino se relaciona com esta questão. e se os representantes de ambos os géneros (apresentados como binários) podem conviver juntos. A direção de Kim Hardwick não permite que muitas das intenções da peça sejam veladas.
O cenário de Hannah Yardley apresenta tapetes persas do chão ao teto e os personagens de Sewell têm criações elaboradas ao longo das paredes. Helen O’Connor é nossa psicanalista titular, brincando com uma estranheza comovente que vai do estoicismo enervante até gritar com a paciente Sylvia que ela «não consegue ter orgasmo porque não quer dar prazer aos homens».
Sylvia se encontra do outro lado da mesma moeda, interpretada de forma promissora pela estreante Louise Panucci. Noel Hodda é o marido de Sylvia, charmoso mas fadado à ruína por causa de suas ideias tradicionais sobre o amor. A falecida mãe de Sylvia, livre de preocupações mundanas, é a mais otimista.
Em duas horas, a «vida de Eva» muito rapidamente quer chegar ao fundo de suas idéias. Você mal tem tempo para se familiarizar com os personagens, quando eles começam a se dissecar e se rasgar em pedaços. Você tem que entender muito — muita feminista e uma teoria psicanalítica orientada para o pênis — e, como resultado, você permanecerá perplexo onde ela cairá.
Dance de perto: Somdney Dance Company, Neilson Studio, 1 de novembro até 18 de novembro, revisado pela Chantal Nguyen ★ Cle Sidney Dance Company, de perto: Somos, como dedicado à intimidade.
Este tópico se reflete no local — este é o primeiro trabalho do SDC, que será apresentado no estúdio doméstico da empresa em Walsh Bey, onde o público fica em um círculo a menos de três metros dos dançarinos.
O trabalho também está associado às raízes espanholas do diretor artístico de Rafael Bonaclay. Para a partitura de Bonachel, ele coletou as músicas de seus amados cantores de língua espanhola, representando os «sons de sua infância». As partes coreográficas dos somos foram colocadas durante a residência em Madri, que mergulharam os dançarinos na vida espanhola e permitiram que o engenheiro de som Nick Wayls passeasse pelas ruas, escrevendo o barulho de multidões espanholas para uso no placar.
Para completar, o café usual do estúdio SDC se transformou em um aconchegante bar de tapas, complementado por um guitarrista e árvores de limão.
Somos é incrível: os dançarinos estão escondidos atrás da cortina de gaze (decorações de Kelsey Lee), que lentamente se levanta para mostrar a eles duetos e conjuntos sensuais em uma pequena cena de espelho.
Tudo isso está próximo e pessoalmente, cada tendão e músculo à vista sob o magistralmente criado por Damien Cooper íntima iluminação e nebulosa. Em combinação com música clockwork e figurinos no estilo de um cabaré nuar, você praticamente sente o cheiro de fumaça de cigarro e bebendo de boates.
Uma plataforma íntima também demonstra o outro lado da coreografia de Bonaclay. Não tendo lugar para saltos familiares de alta velocidade e turnos estonteantes, Bonachel prefere mais sensualidade mundana. No entanto, a coreografia ainda se distingue por sua complexidade atlética proprietária: os dançarinos conectam os membros como os quebr a-cabeças vivos de Tetris, realizando aumentos e mergulhos incríveis.
Com todas as suas conversas sobre a proximidade real, Somos está imerso em objetivação sexual impessoal. Observando os dançarinos através da cortina de gaze, você se sente como um voyeurista que olha para o camarim. Na maioria das cenas de dança, há o mesmo erotismo sombrio, que, embora a princípio pareça convincente, depois que vários números se tornam uma dimensão.
A sexualidade é enfatizada pelos figurinos Lee: todas essas explosões do BDSM, rendas e pele. Os emocionantes skils e duetos emocionalmente complexos Riley Fitzgerald e Dina Elliott trazem alívio, lembrand o-nos que a intimidade genuína está além do escopo do corpo sexualizado ideal e reflete os pensamentos e a experiência de vida de toda a pessoa.
Mas, apesar de todos esses momentos, Somos continua sendo um trabalho impressionante e, com uma duração inferior a uma hora — com uma boa introdução à dança.
Música Alexander Gavrilyuk é tocada pelo Tchaikovsky Sydney Symphony Orchestra Hall da Opera House, 1 de novembro, revisor Peter McCalum ★ CLE
Alexander Gavrilyuk tocou de maneira rápida e em voz alta no concerto para piano com a orquestra nº 1 Si-Bemol Minor Tchaikovsky, dirigindo acordes majestosos de entrada e dominando na primeira parte sem a menor dica de restrição. Em um episódio orquestral mais tranquilo, que abre a parte lenta, o Flutist Emma Sholl introduziu uma nota de simplicidade no pano de fundo de cordas delicadamente arrancadas, após o que Gavrilyuk pegou o mesmo tópico, dand o-lhe uma raiva expressiva, desgastada na manga.
Na última parte, com uma crise frágil, ele derramou o tema principal com seu sotaque característico, notas duplas e círculo ornamental inteligente. Antes do ponto culminante do segundo tópico mais romântico, Gavrilyuk deu um leme estrondoso da oitava com a força do Jack of Junk. Foi uma performance de caricatura do virtuosismo de poder, feita para câmeras colocadas ao redor do corredor, e a platéia se levantou e aplaudiu.
Pelo contrário, um espectador solitário vaiado desafiadoramente os «metabolos» de Henri Duto, com o qual o concerto começou, uma reação indesejada, na minha opinião, à performance que o maestro Donald Rannikles e a Sydney Symphony Orchestra foram criados com exagerância e sofisticação.
O Métaboles é um conjunto de cinco seções cuidadosamente gravadas, cada uma com o tópico, ele o afasta e transmite a versão alterada da próxima. Esse processo é emocionante à sua maneira, lembra variações observadas que ocorrem na natureza entre amostras bem formadas e menos bem formadas da mesma planta. No entanto, um sabor orquestral especial fornece uma forma expressiva e conexão ao trabalho, que Dutia está encontrando para cada seção.
Na primeira parte, os ventos tocam duras angulares e rituais, no segundo — String parece quente e reconfortante. Na terceira parte, os golpes desorientadores dos ventos levam ao silêncio sobrenatural dos tambores no quarto, perfurado por acordes terríveis nos harmônicos do contrabaixo, causando um sentimento de insight de outro mundo. A última parte completa o ciclo e restaura o tópico inicial.
Enrabs e SSO foram entregues as nuances igualmente requintadas nas duas primeiras «imagens» de Debussy. GOBOIST SHEFALI PRYOR Defina o clima de energia brilhante em giguas. Três partes da Ibérica transformam a Espanha em um mundo mágico, onde energia e imagens fugazes se apagam e desaparecem, deixando um longo brilho na retina e na imaginação. A última parte, causando a energia brilhante da manhã do feriado, brilha e delicia.
A lista de livros é um boletim semanal para livros do editor Jason Steger. Pegue toda sext a-feira.
