A nova exposição, que apresenta as obras de uma das principais artistas do mundo, é dedicada à «feminilidade monstruosa».
Gabriella Kozlovich
5 de dezembro de 2023
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Era uma vez, quando eu tinha 20 anos, anunciando escudos com uma enorme mulher de pernas longas com cabelos castanhos, sedutoramente vestidos com um sutiã preto, meias e sapatos de salto alto, começaram a aparecer ao longo do Melbourne. A mulher parecia pronta para um ataque: em uma mão — uma ferramenta elétrica, sob a outra — um pequeno homem, ainda mais pequenos homens pendurados no cinto, como presas.
Atrás dela em enormes letras maiúsculas, as palavras foram escritas: Maria Kozic é cadela. Não é uma «cadela», observe, mas uma «cadela» é um golpe magistral da nuance. Maria Kozich, quem quer que fosse, desafiadoramente possuía sua vítima. Nunca esquecerei esses escudos publicitários — eles confundem, fascinados, atordoados e empurrados. Foi emocionante ver o nome e o rosto que não falam de anúncios nas luzes. Em 1990, tudo isso parecia tão transgressivo.
Trinta e três anos se passaram, e eu tenho conversado em zoom com o criador e a estrela daqueles escudos de publicidade, contando a ela o quão estranho seus pôsteres com a inscrição «Bitch» tinham uma força estranha, que me parecia uma jovem.
«É muito agradável que você tenha dito isso», diz ela.»Eu queria que fosse algo que afetasse as pessoas e que as pessoas prestassem atenção nisso».
E eles prestaram atenção. Alguns pôsteres foram submetidos a vandalismo, eles foram pintados de obsceneidade, como uma «prostituta». O graffiti ficou encantado com Kozich, que necessariamente os fotografou.»Eles viram todos os caras que penduraram no meu cinto? Eles deveriam ter tomado cuidado», diz ela, rindo.
Agora Kozich vive em Nova York, deixando Melbourne em 1996. Agora ela tem mais de 60 anos, mas não perdeu a raiva sobre sua atitude em relação às mulheres. Nos reunimos aqui para conversar sobre sua série «Girl From the Calendar», composta por 12 pinturas que enfrentam a violência diária cometida com as mulheres. Esta série, que não foi exibida desde que foi exibida pela primeira vez em Melbourne em 1999, é o elemento central da ambiciosa exposição de verão do Centro Australiano de Arte Moderna do outro lado, que será inaugurada em 9 de dezembro.
A exposição apresenta as obras de 19 artistas, incluindo o famoso Trayy Moffatt australiano e o grande Franco-Americano Louise Bourgeois, e o tema principal da exposição é a idéia de «monstruosa feminilidade». O conceito de uma mulher como monstros fascinou pessoas ao longo da história da humanidade — de lendas antigas sobre Medusa, mede e sirenes de histórias modernas sobre bruxas, testemunhas, mulheres fatídicas, vampiros e mães monstruosas.
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Ao desenvolver a exposição, os curadores Eliza Goldfinch e Jessica Clark (uma mulher da tribo Palava, que atualmente é a curadora da tribo Yalingva em ACCA), foram influenciados pelo crítico de cinema australiano e Barbara Creed, que apresentam a ideia de O “Princípio feminino monstruoso” no artigo por tela em 1986 e desenvolve u-o em seu texto clássico “O Princípio Feminino Monastino: Filmismo, Feminismo, Psicanálise (1993). Recentemente, Creed lançou a versão atualizada do livro — Return of the Monstruos o-feminino: O cinema feminista da New Wave ”, na qual ela explora o renascimento dos filmes de terror das novas gerações de diretores, principalmente mulheres que recuperam esse gênero e transformam monstruosas devido a mudanças.
Com base nas idéias de Creed, a exposição «por outro lado» apresenta e aceita as perspectivas de «aqueles que são considerados outros — mulheres, representantes das comunidades das Primeiras Nações, a população de cores e comunidades de gênero; que acumulam a ordem patriarcal e simbólica, «como escreve o curador. Jessica Clark no catálogo.
Kozich é uma escolha adequada para a exposição. Ela há muito tempo usa horrores em suas obras, geralmente temperand o-os com humor. Fã de filmes de terror desde a infância, ela sempre esteve do lado dos «monstros antigos do tempo» — uma criatura favorita de uma lagoa negra — a quem ela considera «espíritos relacionados».
«Eles são pessoas de fora, estão pisoteando, perseguind o-os, e as pessoas loucas da cidade os perseguem porque não são como elas mesmas».
Nos pôsteres de “Bites”, Kozich usou imagens do filme de terror de 1958 “The Atant of a 50 pés” para mudar a idéia do mundo da publicidade sobre a operação do corpo feminino como uma ferramenta de vendas. Na «meninas do calendário», ela pegou os calendários com mulheres nuas ou quase nuas, que ao mesmo tempo foram encontradas em todos os lugares nos locais de trabalho.
«Calendar Girls» se encaixam no tema do horror da exposição, porque são dedicadas ao horror do que as mulheres estão passando constantemente «, diz Kozich.
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Suas garotas esbeltas, magníficas e sorridentes do calendário posam em um estilo clicado, mas tudo não é assim. O rosto da Miss March está pontilhado com cortes. Miss May esconde um olho espancado e ensanguentado. Miss June Smile deslumbrante distrai a atenção de seus pulsos cobertos de cicatrizes. Miss julho se assemelha a Vênus Botticelli, apenas entre os seios que ela tem uma longa incisão vermelha. É desagradável perceber que essas pinturas são baseadas na experiência pessoal.
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«Eu não quero entrar em detalhes, mas isso foi causado por um trauma direto», diz Kozich sobre a série.»Eu resolvi essa lesão, criando essas pinturas». Ela se apressou em acrescentar que isso nunca acontece «apenas para si mesma».
Vinte e quatro anos após a criação das «meninas do calendário» Kozich permanecem tragicamente relevantes. Segundo as Nações Unidas, quase todas as terceiras mulheres do mundo pelo menos uma vez em sua vida são submetidas a violência física e/ou sexual.
Mas o que a arte pode fazer com tudo isso? Creed, seguindo a crítica feminista Julia Kristeva, afirma que arte e cinema, como a literatura, oferecem «pequenos — mas, no entanto, formas importantes — de um tumulto íntimo».
É claro que, para Kozich, assistir filmes de terror é um bálsamo na alma, a forma de catarse.»Eu gosto de estar lá e lutar pela minha mente e sobrevivência», diz ela.
Suas palavras se assemelham às palavras da burguesia, que disse uma vez que «a arte é uma garantia de sanidade».
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A exposição dedicada ao monstruoso feminino seria incompleta sem uma burguesa falecida, e três gravuras são apresentadas na Exposição da ACCA: Untitled (Pins de Segurança) (1991), figura arqueada (1993) e, mais importante, Spider (1995). As aranhas são imagens repetidas no trabalho da burguesia: criaturas protetora e ameaçadora, amorosa e zangada, simbolizando a mãe, em particular, a dela; Josephine, uma talentosa restauradora de tapeçarias, liderou um negócio familiar, tolerantemente se referindo às aventuras do marido.
A Mia Boe, de 26 anos, de Melbourne, a representante da geração jovem de artistas, a princípio não sabia como responder à tarefa da exposição, que diferiu de seu trabalho usual, no qual ela explora a herança e a privação dela herança relacionada à sua origem birmanesa e butchull.
«Quando penso em horrores, imagino filmes de slasers e horrores, e estava realmente perdido», diz Bo.»Como torn á-lo relacionado ao que eu estava pensando e com o que me assusta?»
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Para se inspirar, Bo recorreu a dois filmes clássicos do cinema australiano, Walkabout e Wake in Fright, ambos feitos em 1971 e repletos do horror psicológico e do desconforto dos brancos na tensa paisagem australiana. Wake in Fright é um retrato perturbador do outback, ambientado principalmente na cidade mineira fictícia de Bundanyabba (na verdade, filmado em Broken Hill). O filme conta a história de uma jovem professora que se encontra no mundo monstruosamente masculino de “Yabba”, onde reinam o jogo, o alcoolismo e a violência física e sexual. Em uma das primeiras exibições do filme, um homem se levantou e declarou: “Esses não somos nós”, ao que Jack Thompson, que interpretou o rude e inquieto Dick no filme, respondeu: “Sente-se, cara, somos nós. ”
Para Boe, a representação de homens perdendo o controle continua assustadora e relevante.“Especialmente para mulheres e pessoas de cor, quando você vai para áreas rurais, você se sente desconfortável e há uma sensação tácita de ansiedade e perigo nessas áreas isoladas”, diz ela.
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Com suas cenas de beleza e horror alucinatórios, Walkabout é uma exploração comovente de um choque de culturas aparentemente intransponível. David Gulpilil interpreta um adolescente indígena que se depara com dois irmãos brancos, um menino e sua irmã adolescente, perdidos no deserto. O herói Gulpilil vive em harmonia com a terra, encontra água, consegue comida para seus irmãos e leva-os para um abrigo. Ele salva suas vidas, mas nas terríveis cenas finais do filme, sua generosidade é rejeitada. A hipnotizante dança de namoro que ele realiza para a garota é recebida com medo e recusa.
Boe selecionou duas cenas climáticas dos filmes, manipulou-as digitalmente e intitulou-as «A Desolate Primitive Place» e «I Suspect». As cenas são apresentadas em lightboxes, o que lhes confere um poder extra.
“Eu queria aumentar a sensação de terror sobrenatural e sub-reptício dos filmes”, diz Bo. Ela se introduziu na narrativa desenhando um pequeno autorretrato nas mesas de luz, como se observasse com calma essas visões perturbadoras da Austrália que não param de soar.
A artista tasmaniana Heather B. Swann criou três novas obras para a exposição e, quando visito seu estúdio em Hobart, ela está trabalhando em uma escultura de uma figura feminina nua que faz parte de uma instalação chamada Três Irmãs. Meu olhar é atraído para o peito da figura — olhos de vidro azul cristalino olhando para onde deveriam estar os mamilos.
«Quem pode olhar novamente para o peito de alguém sem ver olhos nele?»Swann diz e começamos a rir.“Quero dizer, provavelmente é um pouco grandioso da minha parte, mas gosto de pensar que isso vai ficar na cabeça de algumas pessoas por um tempo.”
O feminino monstruoso é um termo carregado, diz ela, e ela se diverte “carregando-o”.
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“Obviamente existem outras complexidades de gênero que não são masculinas e femininas, mas neste caso estou lidando com o feminino monstruoso, então estou brincando com as supostas zonas femininas selvagens e perigosas, e estou indo direto para lá. … e eu aproveito cada minuto.»
A partir da ideia de um set de filmagem, Swann criou uma mise-en-scène gótica: três camas com cabeceiras exageradas e duas irmãs com olhos onde deveriam estar os mamilos, cada uma sentada em uma das camas. O que aconteceu com a terceira irmã? Swann deixa isso para a nossa imaginação.
Outra das novas obras de Swann, Never Let Me Go, uma delicada escultura em forma de véu composta por centenas de cílios louros, está pendurada na entrada da exposição. Para a Fraqueza Humana, ela criou 13 relicários – caixas ovais de madeira contendo olhos de vidro azuis, cada um contendo uma lágrima de água-marinha. Essas três obras podem ser lidas como o desenrolar de uma história envolvendo uma irmã desaparecida.
“Não sou fã de filmes de terror, mas adoro criar algo que tenha esse tipo de poder e sabia que queria fazer uma peça para esta exposição que tivesse um momento tranquilo”, diz Swan.
A artista de Sydney, Cybel Cox, também não é fã de terror.“Eu fico longe disso porque me afeta, sempre tive dores, principalmente quando criança, quando assistia filmes de terror.
Mesmo assim, Cox criou acidentalmente a escultura de cerâmica da bruxa quando foi convidada para participar de uma exposição da ACCA.“Eu vi a palavra ‘monstruosamente feminino’ e ela se encaixou perfeitamente com o que eu estava criando na época”, diz ela.
A escultura da «feiticeira» da Coc a-Cola é feita quase em tamanho real, com a pele vermelha de terracota e os seios pêndulos. Uma mulher fica de quatro, as costas são levemente curvadas e uma cobra enrolada em volta da mão levantada. A escultura é uma estranha mistura de referências visuais, de imagens sexualizadas de mulheres na pornografia a bíblicos e históricos. Cox aponta para a foto de Jerome Bosch “Tentação de Santo Anthony” (c. 1501), onde os portões do inferno estão localizados entre as pernas do antigo Karg e na foto de Albrecht Dürer “A Stinginess” (1507) , onde a ganância é retratada na forma de um fim para a velha com um peito caído.
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Só me lembro de como olhei e olhei para a foto de Dürer e senti que estava chateado por a «fertência» ser representada dessa maneira, quando há tantos sinais de mesquinharia em nosso mundo moderno não são realmente uma mulher idosa «, diz Cox.
Como Maria Kozich mudou a palavra «Bitch», Cox procura «sacudir» a negatividade da palavra depreciativa estável «Karga».»Esta palavra tem uma picada», diz Cox. Se alguém na rua te chamasse de «Karga», isso doeria, e isso ainda é assim «.
Calma ou indignada, com humor ou aspiração, esses artistas e seus colegas refazem o mundo, representand o-o novamente, em suas próprias condições.
Por outro lado — na ACCA, de 9 a 3 de março de 2024.
