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DANCE New Breed 2023 Carriageworks, 6 a 16 de dezembro Revisão por CHANTAL NGUYEN ★★★½
Nada nos deixa mais felizes do que terminar o ano com os olhos postos no futuro. É aí que o New Breed, o show anual de fim de ano da Sydney Dance Company para aspirantes a coreógrafos, pode ajudar. Este ano a New Breed acontece pela décima vez. Como os anteriores, esta é uma boa seleção de talento bruto e experimentação.
O primeiro é «Everyb0dy’s g0t a B0mb», de Riley Fitzgerald, inspirado nos distúrbios de Woodstock em 1999. É uma erupção de energia adrenalina, como as raves a que alude: frenética e viciante. A música de Rami Khalife é uma escolha inspiradora, imbuída de vitalidade. Fiquei impressionado até o final, quando, numa tentativa equivocada de enfatizar a ideia principal, o literalismo gráfico da coda se torna seu pior inimigo.
O próximo é Tales of Revenge and Romance, de Eliza Cooper. Ostensivamente um trabalho feminista, parece mais uma data decepcionante: inicialmente atraente, com vislumbres de potencial, mas incapaz de ir longe. Nele, as mulheres aparecem como bonecas Barbie que cantam vagamente antes de cair em um sono febril em uma boate. Apesar de alguns momentos espirituosos, a coreografia parece mais derivada do que única. Ao não deixar claro que essas mulheres são mais do que brinquedos, ela se torna parte do problema.
A terceira é «Somewhere Between Ten and Fourteen» de Tra Mi Dinh: uma dança abstrata inspirada no azul do céu crepuscular. Intrincado, geométrico, com uma agradável atenção aos detalhes, dá a sensação de estar observando partículas subatômicas ou o movimento de um aparato científico.
E o último é uma revelação: Gubba de Bo Dean Riley Smith. Usando palavras faladas do musical War of the Worlds de 1978, este trabalho explora a colonização australiana através de uma analogia surpreendentemente convincente com uma invasão alienígena de ficção científica. A visão de Riley Smith é tão conceitualmente impressionante que parece que você está assistindo a tudo, desde um desfile de moda de alta costura até um musical e imagens roubadas da prisão da Baía de Guantánamo. Em uma cena inesquecível, a dançarina Jessie Scales flutua sobre uma saia gigante em forma de tenda sendo manipulada por outras dançarinas, parecendo a figura de proa de um navio em alta velocidade.
A propósito, sobre Skils: The New Breed é sua última chance de ver esse dançarino incomparável antes de deixar a Sydney Dance Company. Skils é um talento inimitável que tem uma universalidade de tirar o fôlego e a capacidade insuperável de dar uma profundidade de qualquer papel. Penso em Skils como Meryl Streep, da Australian Dance (apenas mais jovem e mais flexível).»Como Jesse poderia nos abandonar», seu amigo reclama por um copo de coquetel.»Eles não são apenas dançarinos, são uma dança em si!»
Vamos beber para as Skails que partiram e para futuros coreógrafos.
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Morrissi State Theatre, 10 de dezembro Revisor: James Jennings ★ CLE
«Eu não deveria estar aqui — eu deveria estar morto», diz Nee Stephen Morrissi no início de seu show.
Então ele, meio, meio seriamente, fala sobre uma recente viagem desagradável em um avião e, no final, ele diz: «Mas o melhor da morte é que você nunca terá que ouvir Ed Shiran novamente».
Essa piada reflete a essência de Morrissi também: dramática e sombria, com uma mistura de vítima.
Para essas características, Morrissis o amou e odiava igualmente ao longo dos anos, e seu caráter franco e às vezes política duvidosa fizeram dele um caráter particularmente controverso.
Mas as pessoas que amam o cantor de 64 anos e autor de músicas realmente o amam.
Eles estão em pleno vigor em frente ao palco, estendendo as mãos para tocar o ídolo e aceitar com gratidão os presentes que ele os joga — um lenço e uma camiseta t embrulhados no suor — como um maná celestial.
A razão pela qual Morrissi causa essa devoção fica claro desde o primeiro momento em que canta naquela noite, parafraseando as palavras de Smiths em «Fiquei feliz na névoa de uma hora bêbada, mas os céus sabem que agora estou em sydroes»: isso é a mesma voz inimitável que transmite dor mental e saudade, como poucos outros.
Apesar do fato de Morrissi existir há várias décadas — o concerto foi anunciado como «40 anos de Morrissa» — ele é enérgico e tocando naquela noite, espalhando suas músicas solo favoritas («Suedehead», «nós odiamos a Substância de beleza com rodas com rodas «E os clássicos de Smiths (» par e-me se você já tem isso antes «,» quanto tempo é agora? «).
As composições antigas e recentes ganham poder de rock and roll, graças a um excelente grupo de cinco pessoas com um baterista particularmente impressionante.
Cerca de um terço das músicas são da reverenciada banda de Morrissey dos anos 80, o que pode parecer um pouco exagerado para alguns, mas é uma proporção compreensível quando você considera que desses 40 anos, apenas cinco foram passados como Smith.
Ele foi apelidado de «o pai do blues» pela imprensa musical britânica, mas a enxurrada de piadas humorísticas faz Morrissey parecer muito mais acessível do que o esperado, o que pode ser o motivo pelo qual alguns membros do público tentam entrar furtivamente no palco para abraçar seus amigos. herói.
É em partes teatral, rock’n’roll e um pouco bobo — do jeito que um Morrissey em boa forma provavelmente gostaria.
Guy Sebastian Sydney Opera House 10 e 11 de dezembro Revisor: MILLY MUROY ★★★★½
Quando Guy Sebastian entra no palco pela esquerda, ele o faz da maneira certa: direto para o vestíbulo da Sydney Opera House, onde desliza para dentro do Porsche que compartilhou com a finalista do Australian Idol, Shannon Knoll, há 20 anos.
Uma montagem dos momentos televisivos que fizeram de Sebastian um nome familiar é seguida por imagens ao vivo de fãs o abraçando e beijando com adoração enquanto ele caminha no meio da multidão cantando sua primeira música de audição: Stevie Wonder’s Ribbon in the Sky.
“Parecia uma ideia muito boa”, diz ele, rindo, enquanto sobe ao palco.
Desde seus primeiros sucessos até suas músicas mais recentes, incluindo duas músicas inéditas, Sebastian traz aos fãs toda a sua discografia neste show Double Decade Celebration.
Com um sorriso atrevido, Sebastian canta músicas nostálgicas e agitadas, incluindo Who’s That Girl e Like It Like That. Mas ele está no seu melhor em números emocionais como Battle Scars, Choir e Climb Every Mountain, que mostram a riqueza, o poder e o controle de sua voz.
Com seus pais, filho e parceiro de longa data Jules no meio da multidão, fica claro que isso é pessoal para Sebastian. Ele canta a música inédita Write One, que escreveu para Jules, e a música Antidote, que planeja lançar por volta de fevereiro e na qual está trabalhando há um ano.
Depois da aparição surpresa de outro ex-aluno do “Idol”, Ricki-Lee Coulter, as referências de Sebastian a Shannon Noll finalmente se encaixam quando eles se reúnem no palco para a música final de Noll, “What About Me” da Moving Pictures.
Sebastian culpa um “toque de recolher muito rígido” no set quando o show chega ao fim.“Eu poderia tocar a noite toda”, diz ele, e termina com o single título de seu álbum de estreia, Angels Brought Me Here: “Obrigado pelos últimos 20 anos, por mais 20”.
Assassinato à mei a-noite no Hamlington Hall Ensemble Theatre, 7 de dezembro até 14 de janeiro, John Shand’s Review ★ CLE
Até o rangido de unhas no tabuleiro é preferível a cores educadas e madeira seca, que são distribuídas para atuar nos piores teatros amadores. Por outro lado, não apenas perdoamos o desenho e a pintura ruim, mas também os colocamos na geladeira quando nossos filhos o fazem.
Os milagres do fim de semana com três acordes, meia cabeça e sopra nas costas, podem nos entreter até que a cerveja entre no acordo, e com uma carta ruim nos humilhamos porque raramente somos encontrados por outro. Mas um teatro verdadeiramente terrível causa o desejo de se enrolar debaixo do assento e zumbir na cabeça das rimas das crianças.
O assassinato à mei a-noite em Hamlington Hall é uma peça sobre essa performance: sobre uma peça onde os efeitos leves e sonoros chegam cedo, mais tarde ou não acontecem; Onde os atores quebram as réplicas e são perdidos no ciclo de diálogo, do qual é impossível sair. O roteiro foi escrito por Mark Kilmurry e Jamie Oksenbuld, o diretor é o primeiro, e as estrelas são a segunda.
Após o intervalo, chega um retorno, que vale a pena investir em um ambiente prolongado. A maior parte da composição amadora, envolvida na estréia do mistério do assassinato, adoeceu, de modo que o diretor, o gerente e duas trupes sobreviventes devem assumir uma dúzia de papéis adicionais — às vezes eles precisam interpretar dois personagens no mesmo estágio.
Sam O’Sullivan está jogando notavelmente Shane, sincero, atencioso, banqueiro trabalhando como diretor. Barney Oksenbound e Phillip Elois Snape são aquelas criaturas estranhas que habitam teatros amadores, com seus rituais loucos antes da apresentação e um senso inchado de sua própria habilidade teatral.
Karen realizada por Ariadne Sucuros é um exemplo de uma raça nazista de gerentes de cenas que assombra esses grupos — neste caso, ela cumpre os requisitos de trabalho público, que lhe foram feitos por algum crime, provavelmente de natureza violenta. Contratando para a noite vagando pelo palco, ela não está entusiasmada: «Isso está agindo, certo?»ela diz.»É como mentir.»
Parte do primeiro ato fede com a necessidade de ganhar tempo suficiente para justificar o intervalo antes de nos tratar a peça dentro da peça. No entanto, a encenação de um terrível «treinamento íntimo» é apenas um voo, mas o enredo é o fato de o conselho local estar pensando em tirar o salão dos jogadores de enseada mediana para dar isso … Droga, empresas de fitness.
Provando que os deuses teatrais não eram privados de um senso de humor, depois que um intervalo de problemas técnicos detectou o início do desempenho do desempenho do desempenho sobre o programa, no qual tudo o que poderia dar errado vai errado. Todos — presumivelmente, exceto o pobre sujeito que tentou resolver o problema — eles viram neste lado engraçado, e o problema foi rapidamente deixado para trás quando começamos a trabalhar, e o riso do riso rompeu.
O que aconteceu nos próximos 70 minutos (que na verdade deveria ser reduzido para 60) costumava ser tão engraçado que a integridade estrutural dos assentos do conjunto deve estar em risco, já que muitas pessoas tremiam de risadas.
O líder nesse sentido era Oksen, com sua brilhante comédia física e seu Barney, mudando furiosamente os personagens e esquecendo quem ele era ou teve que se tornar, ao mesmo tempo, suavizando as águas inquietas com a ajuda de seu frasco.
Gags, piadas com espetáculo, palhaçada e trocadilhos em abundância, e somente em momentos raros seca, ou o show se torna tão doloroso quanto o que satiriza. Mas então a barragem quebra novamente e, no final, a diversão varre tudo em seu caminho.
Hemisférios solitários
Offspring Casula Powerhouse Arts Center Ensemble. 9 de dezembro Revisões: Peter McCalum ★ CLE
O crítico literário Harold Bloom falou da «ansiedade da influência», a fim de descrever como os escritores competem psicologicamente, no sentido de Édipo, com as grandes figuras do passado. A série de filhos do conjunto «Lone Hemispherres» faz algo semelhante aos compositores australianos, embora a ansiedade seja provavelmente a mais aguda por artistas que devem navegar pelas inovações instrumentais de cada geração.
A série realiza peças pedidas recentemente para uma ferramenta solo e um trabalho solo para a mesma ferramenta de um compositor reconhecido da geração anterior. Entre os representantes da geração mais velha deste concerto, o falecido compositor finlandês Kaya Saariaho, o criador dos belos mundos musicais fantasmagóricos, e a cantora e compositora australiana Jane Sheldon escreveu um ensaio inspirado em seu trabalho desafiador para a Noo e Eletrônica Noanoa.
No trabalho de Saariaho, a flor de Lamorne Lamorne Combiningele criou tons sensuais e terríveis, refletidos por eco eletrônico e textos sussurros dos diários de Taith do artista Gauguin. Mais perto do final, tons eletrônicos e flauta conectada, como vários fios de luz a laser, criando acordes de transfusão intensivos.
O trabalho de Sheldon «Spectrum: Three Tentativas de cham á-lo» se tornou uma homenagem ao respeito, que usa os tons aveludados mais baixos da flauta de baixo. Sua primeira parte é a paráfrase espiritual de Echo Saariaho, a segunda é o texto do poema de Apoliner Il Pleut, e o terceiro entra em uma aura tranquila.
A percussionista Claire Edwards interpretou os “pensamentos da natureza da água” do falecido compositor americano Jacob Drukman com uma sensação de ritmo suave, que parecia surgir diretamente de movimentos flexíveis do pulso em Marimbe. O pulso do oceano «Lahlan Skiport também era água e, no início, causou os padrões semelhantes ao trabalho de Drukman e, na passagem final, ele introduziu acordes de martelo.
No «Card Star da música» Lisa Lim Veronik Serre, ela extraiu sons fragmentados do violino, criando um alucinatório, semelhante a um sonho, e as notas altas permaneceram transparentes e limpas. Nesse sentido, ela se assemelhava às obras de Saariaho: evocam reverência e mistério, Sarariho — um chamado, Lim — um feitiço Cabalistic.
O gigante do gelo (referência ao planeta Netuno) Holly Harrison, embora ele tenha sido colocado em um casal com o trabalho de Lim, tinha apenas um ponto de partida astronômico com ela. No trabalho, os violinos no estilo de Blugers-Cantry com passagens lentas de harmônicos de gelo misturados.
O clarinetista Jason Noble colocou um single e um curativo para «Music in Sweaty Pants» Hugh Belling, um estudo animado, no qual a harmonia multifônica do «ablauf» do compositor finlandês Magnus Lindberg passou por uma série de rearranjos rítmicos com nervosos, hiperativos, hiperativos energia.
A própria Ablauf completou o show. Na primeira parte, os nobres gritavam sons multipíssicos, juntamente com figuras mais tranquilas e apressadas, e os percussionistas Edwards e Nicky Johnson fizeram uma rachadura, semelhante a tiros, com dois bumbos de baixo. Na segunda parte, tudo mudou para o oposto: Bas Clarnet parecia mais suave e a bateria estava silenciosa, emitindo tremores cada vez mais remotos.
Kraftwerk ★ OPA Ciente do Super Theatra, 6 de dezembro, revisor Michael Ruffles
Kraftwerk organizou um show inesquecível e incrível.
Para quatro homens, que são quase imóveis atrás das plataformas que seriam apropriadas no set da série Star Trek, os pioneiros alemães fizeram um trabalho impressionante para conquistar e recompensar sua abordagem incansável e repetida à música eletrônica e efeitos visuais.
Concerto parcialmente pop e desempenho parcial de Bauhaus, esta turnê mundial marca o 50º aniversário de sua atividade inovadora, que deu origem a gênero e influenciou gerações inteiras de músicos pop. Kraftwerk foi para que Daft Punk pudesse correr.
Mas foi divertido? Bem, às vezes.
Temas de tecnologia e vida cotidiana foram introduzidos desde o início com a música do álbum Computer World de 1981: «Este costumava ser o futuro, agora vivemos nele.»O show foi de outro mundo com o Spacelab alucinante, os visuais nos levando em órbita e depois de volta aos marcos de Sydney, incluindo o local da noite.
Às vezes parecia que estávamos assistindo a um museu de música funcionando. O medley de Airwaves e Tango soava como os blocos de construção de outras músicas melhores, como se os mestres da manipulação de sintetizadores estivessem investigando o próprio DNA do EDM. Parecia tanto um experimento científico quanto uma música, e a sensação foi amplificada pelas ondas senoidais que passavam por minutos a fio.
Sua reivindicação inicial à fama, Autobahn, também é mais impressionante como um feito técnico do que como uma música, e captura com precisão a sensação de estar ao volante em uma longa estrada aberta, testando sua concentração.
No final do set, o medley favorito dos fãs do Tour de France faz jus ao seu nome — um evento tortuoso, bonito e hipnótico que apresenta momentos ocasionais de excitação e respiração pesada. Mais para aulas de spinning do que para pista de dança.
Os destaques quando eles apareceram foram incríveis. The Man-Machine era estrondoso e cinético, Computer World tinha uma melodia pop inegável e o mais lento The Model era o melhor verme da noite. A radioatividade, com seu código Morse e corais sinistros crescendo constantemente, e a voz do vocoder do fundador Ralph Hutter alternadamente sinistra e melancólica, estava sempre à beira de uma explosão de horror nuclear.
O encore (eles saíram e depois voltaram — que espetáculo!) contou com o groove de The Robots e a exploração retrô da eletrônica nos animados Boing Boom Tschak e Techno Pop, que fluiu para o som mais moderno e alegre Music No n-Parar. Eles encerraram suas apresentações solo, saindo um após o outro, e o último «auf Wiedersein» foi pronunciado por Hutter, de 77 anos.
Kraftwerk é uma banda difícil de agradar ao fã casual, mas eles fazem um show para admirar.
JANE FRANKLIN AND THE RAJAH QUILT Raffertys Theatre, 5 de dezembro Revisora KATE PRENDERGAST ★★½
Nos primeiros dias da colonização da Austrália, aproximadamente 12. 500 mulheres encontravam-se longe de casa. Condenados na Grã-Bretanha a transporte por pequenos crimes, eles fizeram a longa viagem até Van Demen’s Land, onde foram designados para o serviço doméstico e para «malditas prostitutas».
Não há tantos sobre essas mulheres. Apenas alguns traços foram preservados.
No entanto, uma das exceções perceptíveis e excelentes é o cobertor de Raj. Esta é uma cobertura de 325 cm x 337 cm com um apliques foi um trabalho conjunto de um número desconhecido de mulheres condenadas que estavam a bordo do navio HMS Rajah em 1841. Foi criado graças ao Comitê Britânico das Mulheres dos Quakers, que deu a cada mulher um conjunto de costura, a capacidade de salvar e esperar a humanidade.
Durante muito tempo, eles se esqueceram do livro, mas em 1989 foi adquirido pela Biblioteca Nacional da Austrália. A dramaturga Kate Whittaker acredita que ela deve ser devolvida à sua terra natal, à Tasmânia.
Sua nova peça «Jane Franklin e o cobertor de Raji», definida pela diretora Emma Whitehead, conseguiram mais atrair atenção para esse assunto do que na narrativa. A ficção científica histórica da moralização, pesada por detalhes contextuais, é apanhada de curiosidade depois que as artesãos condenados desaparecem na colônia.
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Em vez disso, o foco é a figura histórica de Jane Franklin (Madeleine Whitington), que recebeu um cobertor como presente, sendo a esposa do governador. Uma mulher inteligente no mundo feminino, sua participação nos assuntos de um marido dedicado levou à sua demissão.
Embora Jane se dedicasse aos valores e reformas cristãos, na versão de Wittaker, somente depois que ela teve que enfrentar a vergonha da sociedade e se encontrar com a obstinada empregada casual chamada Betsy, ela entende que era um esnob ligeiramente condescendente e uma esnobe e uma Cruzado ingênuo em relação àqueles a quem ela procurou ajudar.
As mudanças de cenas são acompanhadas por músicas marinhas, apresentadas harmoniosamente pelos atores de pó s-graduação da NIDA. Hannah Anderson desempenha perfeitamente o papel de Betsy, revivendo a verdadeira heroína da peça por confiabilidade, força vital e lábios. O destino que Betsy está condenado a (obviamente, um personagem fictício, não uma imagem histórica) é trágica — e ansiosa.
No final, confirmamos novamente a conexão única entre a Sra. E o Sr. Franklin (este último, fora das páginas do roteiro, morrerá na expedição) e pedirá ação: «[Cobertor] deve ser devolvido … o tapeçaria humana, essa paródia de transporte. «
Aqui você pode revelar uma ótima história. Nesta produção sincera de vozes perdidas, vemos como passam os fios desta história.
A lista de livros é um boletim semanal para livros do editor Jason Steger. Pegue toda sext a-feira.
