Adicione os artigos à lista de salvos e retorne a eles a qualquer momento.
O tamanho usual do texto é um tamanho grande do texto de tamanho muito grande
Pontos chave
- Música: Rapper 50 Cent aparece na arena do gênero Leiver
- Teatro: «Surat-Surant» se oferece para investigar o Chefe Cruel da História
- Dancing: Lucy Guerin Inc oferece três apresentações em sua vitrine anual
- Música: Foo Fighters retorna e prove por que eles ainda atraem a multidão
- Música: Aura estréia com um novo álbum no Festival Internacional de Jazz em Melbourne
Anúncio
Nesta resenha dos concertos de Melubbourne — The Star Show of the Performer, envolto em mitologia, 50 Cent na Rod Laver Arena, uma performance que oferece uma visão íntima do capítulo cruel da história, a mostra anual de Lucy Guerin Inc, um concerto que provou por que Foo Fighters ainda está coletando multidões e Anshelget em um concerto de artistas locais Aura.
Música Jai Paul ★ CLE City 170 Russell, 4 de dezembro
A história de Jay Paul é uma lenda da música moderna. A demonstração do BTSTU, lançada pelo produtor e cantor inglês em 2007, explodiu a Internet na mistura de ripas de R & amp; B, música pop e eletrônica se tornaram um novo som que se espalhou como um incêndio florestal. Entre os famosos fãs estavam Drake e Beyoncé, que salvaram o BTSTU. Em 2012, outro single foi lançado, Jasmine. Um ano depois, ocorreu um álbum de demonstração que vazou, que chateou tanto o músico que ele desapareceu do campo de visão do público e da criatividade musical pelo restante da década, apenas no auge de sua força.
Na sua ausência, a influência do sexo na música pop continuou a ser sentida — de James Blake e Arlo Parks (que recentemente fez uma capa para a música de Jasmine) a clavículas mais próximas da casa. O álbum de demonstração foi lançado oficialmente em 2019, mas apenas no início deste ano no Festival do Coachella, Paul finalmente fez sua estréia. A reação a esse show foi ambígua — a maioria observou que era emocionante e irrealista ouvir as músicas ao vivo, mas o chão não tinha confiança e carisma do artista experiente.
Tudo isso sugere que a metade está envolta em mitologia, e seu concerto de três anos vendido em Melbourne como parte do sempre ao vivo está cheio de intrigas. Mas todas as dúvidas imediatamente se dissipam, assim que seu grupo de quatro pessoas entra no palco, e o chão parece aplausos entusiasmados.
O alcance vocal do cantor é incrivelmente amplo, chegando até um falsete trêmulo, e a banda completa é um belo toque para o tipo de música que tantas vezes é tocada inteiramente eletronicamente. O baixo é especialmente descolado no cover de Paul de «Crush» de Jennifer Page, e sua versão surpresa de «It’s My Life» de Talk Talk é colorida e eufórica.
Paul e sua banda se apresentam em um cenário de cenas mutáveis, de cavernas a água. É um espetáculo transcendente, mas também tem uma vibe club distinta, especialmente quando ele toca Good Time, Str8 Outta Mumbai e, sim, BTSTU. A abertura do álbum Fabiana Palladino participa dos vocais em duas músicas e as harmonias proporcionam um lindo contraste.
A timidez inerente às atuações anteriores de Paul está ausente aqui — ele é charmoso, confiante e parece estar se divertindo muito. A comunicação com ele é mínima — principalmente ele levanta as mãos como um messias ou olha ao redor do salão com um sorriso surpreso.
Anúncio
“Quando desci do vôo de 24 horas, pensei que gostaria que esses desgraçados estivessem aqui, então obrigado”, ele ri. É uma alegria estar aqui com ele, como um suspiro de alívio no final de um longo ano, uma longa década.”Revisora Giselle Au-Nhien Nguyen
MÚSICA 50 Cent ★★★★ Rod Laver Arena, 5 de dezembro
Quando 50 Cent ficou rico (depois de não morrer tentando), ele comprou uma mansão em Connecticut e a montou como um clube de strip. Ele trouxe aquela vibração de clube de strip para Melbourne na noite de terça-feira, revivendo os dias do início dos anos 2000, quando ele era a maior estrela do rap do planeta.
Para um público jovem demais para estar presente quando essas músicas foram lançadas, ele se lembrou do quanto dominou as paradas pop por cinco anos consecutivos. Os refrões que tornaram os anos 50 famosos continuam a ressoar 20 anos depois, de How We Do, Hate It or Love It a Candy Shop e P. I. M. P.
Esses hinos de clubes de strip foram a base para os dançarinos dos anos 50, as pessoas que mais trabalharam no palco a noite toda. Eles eram um retrocesso a uma época em que os programas de rap eram mais evidentes em sua crueza. O inquieto Curtis Jackson sorriu, lembrando a todos de onde ele veio. Os dançarinos, vestidos com lingerie e strass, ajudaram a transformar a performance de rap bastante sólida da estrela em um verdadeiro show.
50 usaram todos os truques – lasers, confetes, fogo, serpentinas, fumaça e um truque de mágica para começar a noite. Infelizmente, o áudio pouco claro não ajudou a trazer à tona o que há de melhor em sua entrega moderada e característica.
Para encerrar o set principal, 50 lançou In Da Club, seu hit monstruoso que deixou todo mundo de pé. Foi o final perfeito para o show. O bis, que incluiu uma série de composições profundas que o público não conhecia, não foi nada ideal.
À medida que a energia da multidão diminuía, 50 disse que estava se divertindo melhor do que alguns na plateia. Isso não era verdade. Quando tocou seus sucessos, Rod Laver arrasou com tanta força quanto em qualquer outro show de rap. Mas, como toda a sua carreira, 50 Cent colecionou seus melhores trabalhos desde o início. Revisor: Angus Livingston
Teatro Surat-Suratnya ★★★★ La Mama, até 17 de dezembro.
“Quando entre 500 mil e 1 milhão de apoiadores comunistas são exterminados”, disse Harold Holt ao The New York Times em 1966, “acho que uma reorientação pode ser considerada”.
Os massacres na Indonésia que levaram o Presidente Suharto ao poder marcaram um ponto de viragem na Guerra Fria. E Holt, então primeiro-ministro da Austrália, tinha motivos para o seu eufemismo e indiferença face à perda de vidas. Os governos ocidentais foram cúmplices deste massacre, encorajando-o secretamente através de propaganda negra, fornecendo listas de suspeitos de esquerda ao exército indonésio e fornecendo assistência financeira aos esquadrões da morte.
Massacre. Execuções sumárias. Desaparecimentos forçados. Tortura. Todos eles visavam potenciais opositores ao novo regime, que suprimiu a discussão sobre os assassinatos durante três décadas (até o filme australiano da nova onda, O Ano para Viver Perigosamente, foi proibido na Indonésia até ao derrube de Suharto em 1998).
Surat Suratnya nos dá um vislumbre de como era viver em terror e confusão, em uma performance intercultural íntima e comovente dos artistas por trás de Hades Memudar, exibida no Asia-TOPA 2020 em Melbourne.
O componente principal é um monólogo intitulado «Nossa Última Ceia Foi Sayur Lode», baseado em cartas e entrevistas com Ibu Helen, uma mulher australiana que se preparava para fugir da Indonésia para o país Victoria com o marido, um sindicalista javanês, e seus filhos.
Ibu Helen (Ellen Marning) relata o caos e o pânico crescente enquanto prepara a última refeição de sua família, sayur lodeh. Este curry vegetal, como muitas coisas na cultura javanesa, tem um significado simbólico. Cada ingrediente tem seu próprio significado, e o prato em si ainda é preparado como slametan – um ritual comunitário criado para evitar o infortúnio.
A lenda diz que, uma vez que o sultão ordenou que os habitantes do Jokyakart ficassem em casa e preparassem Sayur Lodeh por 49 dias, o que permitiu eliminar com sucesso o flash da praga da torre; Uma reação semelhante foi distribuída na cidade durante o covid-19 pandêmico.
O ritual doméstico é acompanhado pela percussão javanesa e pela lidância de drones, traduzida para o inglês por marificação, além de tocar sombras no fogão sob a influência de uma tradição indonésia original de Wayang.
O diretor Wavan Sofwan é igualmente sensível a monólogos íntimos, e Merron transmite a história de Ibu Helen — um piercing perfeitamente comprimido e completo de detalhes humanos — com força despretensiosa e penetrante.
Antes e depois da apresentação, os espectadores podem passar por «entre as letras» — a performance da filha da filha Ibu Helen, o músico Ria Soemargio. Este é um apelo meditativo para o passado, no qual os vocais e um jogo de vida nos gongos com registros do período e as cartas de sua mãe aos pais na cigana são misturados. Revisor: Cameron Woodhead
Peças de dança ★ cle the subestation, newport, até 9 de dezembro
O pequeno trabalho novo do coreógrafo Luke George Call, Call, contém apenas uma imagem, mas é tão be m-componente, ressoa e é tão capturada que parece que pode ser mostrado sem parar, sem perder uma gota de poder.
Fell é uma das três obras ordenadas para a exposição anual da Lucy Guerin Inc em subestação. Nele, George em um abraço com cordas amarelas brilhantes é suspenso acima do público, equilibrado por um tronco grande.
E então ele fica sem se mover. Esta é uma cena perfeitamente estipulada, calma, mas implicando um grande drama e violência, o que causa admiração que sempre causou imagens imóveis de corpos caindo pelo espaço, de Brueghel a Iva Klein e Richard Drew.
Obviamente, George também retorna à história da dança moderna, diante das famosas obras de Trisha Brown, nas quais forçou seus dançarinos a atravessar as paredes e descer pelas paredes dos edifícios.
Em seguida, um tronco aparece — uma árvore derrubada — que mantém a dançarina no limbo, embora pareça que ele está caindo dele. Sua dependência do peso da árvore e a conexão constante com ela sugerem muitas interpretações.
O programa também apresenta uma conversa um tanto uniforme entre o dançarino Amrit Khpy e a trabalhadora do sexo Tilly Lawless, na qual eles comparam os conceitos de trabalho e desempenho. Existem muitas conversas e poucos movimentos, mas vários truques e poses causadores são demonstrados no curso da ação.
A jogada final é uma diversão alegre para seis dançarinos de Harrison Richi e-Jones. O roteiro é deliberadamente e deliciosamente absurdo, o conjunto está vestido como uma trupe de nadadores síncronos, mas se apresenta no idiomatismo corporal de bebês famintos.
Carregando
Eles gemem, gemem, cambaleam, colidem um com o outro, se espalham, explodem e cambaleam durante suas performances. Este é um avô e, se não mais, o símbolo perfeito do final do ano. Revisor Andrew Furmann
Música Foo Fighters ★ Opa Aami Park, 4 de dezembro
Quantas vezes Foo Fighters se apresentou em Melbourne? O vocalista Dave Grol acredita que «10, 20, cem». Então, o que faz as pessoas voltarem?
Grol gosta imediatamente: ele é alegre, enérgico, adora sons altos de guitarra e gritos. Ele é excelente para ambos. As músicas são ginishisnas e são capazes de transformar a pessoa mais severa em um adolescente nebuloso. Às vezes eles são um pouco médios, mas são sinceros.
Foo Fighters sempre carregou uma doçura amarga. No show de quase três horas de hoje, muitos dos maiores sucessos carregam mensagens sobre resistência. Nem todos eles — atores empilhados, possivelmente sobre Courtney Love, e toda a minha vida é definitivamente sobre Cunnilingus — mas muitos deles podem se tornar uma trilha sonora para instalação educacional ou funerais. Essas são músicas sobre a luta pela vida.
Eles também carregam tristeza. A dor de Gril é pública há muito tempo: do camarada da NIRV Ana Kurt Kobein, que morreu em 1994, para o longo baterista dos combatentes do Foo Taylor Hawkins, que morreu no ano passado. Nas músicas do novo álbum, mas aqui estamos, Grol canta abertamente sobre Hawkins.
Hoje ouvimos o vidro («Eu tinha uma pessoa que eu amava / e então simplesmente / fui embora para viver sem ele») e resgatou («Isso aconteceu em um instante / surgiu do nada / aconteceu tão rapidamente / e então Tudo terminou «). Em breve, como seus antecessores, essas músicas serão absorvidas na cultura para se tornarem toda a dor, sobre toda persistência.
“Penso nele toda vez que um pássaro passa voando”, diz Grohl.“Há algumas músicas, um bando voou sobre nós, ali”, diz ele. Na verdade, eram morcegos fazendo seu voo noturno para oeste de Yarra Bend. A banda toca as notas iniciais de «Aurora» e um enxame de morcegos circula sobre o Parque AAMI, só por um momento.
A dor não demorou a cobrar seu preço. O novo baterista Josh Freese é aplaudido de pé pela multidão.»Josh estava na banda Devo!»Grohl grita antes da banda entrar com “Whip It”.
É um dos muitos pequenos ovos de Páscoa ao longo da noite: quatro compassos de «Blackbird» dos Beatles aqui, um rufar de bateria de «Down Under» do Men At Work ali, um minuto inteiro de «Sabotage» dos Beastie Boys — e uma empolgante cover de «Big Balls» /DC do AC tocado pela baterista extremamente australiana da banda Fiona.
A fechar a noite está Everlong, sem dúvida a sua melhor música, com a sua guitarra penetrante, padrões de bateria frenéticos e letras que nos pedem para agarrarmos os momentos no tempo, para permanecermos neles.
“E eu me pergunto”, ouço pessoas cantando Birrarung no caminho para casa, harmonizando-se com os morcegos. Sim, um pouco mediano, mas é uma boa estrada. Revisor: Will Cox
JAZZ Festival Internacional de Jazz Feminino de Melbourne |Aura eNovas Fronteiras ★★★★ The Jazzlab, 3 de dezembro
Nos dois anos desde o lançamento de seu álbum de estreia, Aura passou de artistas emergentes a figuras estabelecidas na cena jazzística de Melbourne e além. Na verdade, Audrey Pown, Flora Carbaugh, Helen Svoboda e Kyrie Anderson estão tão ocupadas com projetos individuais que a oportunidade de atuarem juntas não surge com frequência.
Então foi bom ver a casa cheia no Jazzlab no domingo à noite, quando Aura apresentou seu segundo álbum («Same Sky») como parte do Melbourne International Women’s Jazz Festival.
Antes do início do concerto, Sonia Horbelt – incansável presidente e diretora de programa do MWIJF – prestou homenagem à falecida diretora artística do festival, Lynette Irwin, e elogiou a dedicação de Irwin em nutrir jovens talentos. A própria Horbelt há muito demonstra essa mesma dedicação, proporcionando oportunidades valiosas para artistas menos experientes.
Este ano, ela ofereceu o festival a Mav Grieve, ganhador do prêmio New Frontiers em 2023, concedido ao excelente graduado do departamento de Jazz do Conservatório de Melbourne. Grieve (uma talentosa vocalista e guitarrista) abriu o show de domingo com um conjunto de suas próprias músicas, usando uma formação rotativa para criar uma variedade convidativa de texturas instrumentais.
Noah James no bandolim foi particularmente eficaz, seu fraseado animado se misturando com a guitarra acústica e elétrica de Grieve para dar às músicas uma flutuabilidade folk alternativa.
Então foi a vez de Aura, e os membros da banda estavam radiantes antes mesmo de tocarem uma única nota. As composições do novo álbum são atraentes e muitas vezes aventureiras, mas quando tocadas ao vivo exalam calor e diversão.
Mesmo as passagens mais exploratórias — zumbidas com harmônicos de baixo energéticos e linhas de sopro abstratas desvinculadas de uma pulsação — pareciam mais coloquiais do que conflituosas.
Snails Out Paced parecia um palhaço de circo embriagado em um monociclo; em Baby Horse, a dinâmica barulhenta da bateria de Anderson e do baixo de Svoboda foi combinada com as linhas graciosas do saxofone alto de Carbo e do trompete de Pown; e em Warmth is Cosy, todos os quatro músicos proferiram frases pelo toque, permitindo que a música fluísse e refluísse tão naturalmente quanto a respiração. Crítica de Jéssica Nicholas
Carregando
O Festival Internacional de Jazz Feminino de Melbourne continua até domingo.
The Booklist é um boletim informativo semanal para amantes de livros do editor Jason Steger. Receba todas as sextas-feiras.
