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Carolina Polachek Sydney Opera Theatre, 4 de dezembro Revisor: James Jennings ★ CLE Começa um concerto de um cronômetro gigante de 60 segundos, contando o tempo na tela — movimento ousado; A declaração dramática que diz: «Pressa, pessoas, uma atração espera por você».
Para pular para o palco em uma roupa chique de Jea n-Paul Gauthier e cantar um alto o suficiente para não quebrar o vidro — essas são a coragem e o drama, duas palavras que caracterizam o cantor americano, o autor de músicas e produtora Caroline Caroline Polachek.
Como seu ídolo Kate Bush, Polachek tem uma tendência à teatralidade, que é expressa em movimentos de dança suaves e bizarros e qualidades sobrenaturais que sugerem que ela existe em seu próprio universo idiossinocrazico.
Polachek nos convida para este universo com o nome apropriado be m-vindo à minha ilha, um convite que é acompanhado por uma plataforma de palco inspirada em dunas de areia e nos coloca no centro da fantasia pop alternativa de Polachek.
É claro que, quando todos estão dançando sob o hit Bunny é um cavaleiro, uma música inegavelmente sexual e memorável, mesmo que seu significado real seja bastante opaco, todo mundo está completamente encantado.
Jogue um moinho de vento, inflando cinematograficamente os cabelos de Polachek, projeções de palco qualificadas e um excelente grupo de três pessoas, e você permanecerá com uma estrela real do programa: a voz excepcional e acrobática dos tesouros, é realmente uma ferramenta especial que ela possui perfeição.
O pára-quedas, no qual os vocais das tesouras são apoiados apenas por drones e sintetizadores profundos, é um incrível show de show que lembra que, juntamente com um estilo significativo de figuras, há uma profundidade e um conteúdo real.
A amplitude dos gêneros musicais apresentados também é impressionante. Parece que este é um homem misto feito pela pessoa mais legal que você conhece.
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Aqui está o lamenco brincalhão («Sunset») e o pop gótico, reforçado por guitarras explosivas («Ocean of Tears») e galopando hiper-pop («voa para você») e bangers de ginástica («tão quente você está Machucando meus sentimentos «) e, por que não, pessoas psicodélicas sob a influência do LSD (» rede de borboleta «).
Em algum momento da noite, uma renda chocada diz como jogar incrivelmente seu primeiro concerto australiano em um lugar tão cult.
É uma ótima maneira de ver como o Lastro é rasgado às lágrimas e não pode cantar durante a final da “porta”, como sua conquista é confirmada por espectadores que mantêm seus telefones no ar, iluminando o artista que é tão generosamente compartilhado por o dela.
War in Droks/Spoon Sydney Opera Theatre 4 de dezembro Revisor: Bernard Zuel ★ CLE
Teoricamente, esses dois grupos, se formaram mais de 20 anos e quase no território de todo o país, não são adequados um para o outro, e seu desempenho conjunto no porto de Sydney com um hotel flutuante recé m-soldado (que sinalizando sem cerimônia sua chegada durante o conjunto de abridores impressionantes, Indigo Sparke), estacionado nas proximidades, e restrições no tempo/ruído não prometem o milagre do Natal.
A colher do Texas possui canções vigorosas, febril, levemente espinhosas, picos instrumentais são mais propensos a explosões de hidromassagem do que a grandeza, causando uma cabeça oscilante e flexionando os joelhos em todo o local. Eles se vestem como um rock indie, que não estão muito tentando, mas também não recusam sua imagem, e têm nomes de músicas como Donat You Evah, pegou Nuffin e aluguel que pago.
A guerra contra drogas da Filadélfia toca músicas médias de onda sobre os caminhos sinuosos e emoções abertas, que inevitavelmente chegam ao clímax alto e prolongado, às vezes provocando dança dançando com ombros soltos.
Eles estão vestidos como um grupo da velha escola “Nós não somos estrelas, nós somos músicos”-cachos longos reiniciosos são dissolvidos no rosto, roupas no estilo “Mix-Bnsatch”, provavelmente encontrado no final dos dois- Cama de um ônibus turístico naquela manhã, várias opções duvidosas para penteados no rosto. E eles têm nomes de músicas como um oceano entre as ondas, o sonho de Harmonia e a chuva ocasial.
As teorias não importam, porque essa combinação funciona com um estrondo.
Em primeiro lugar, a colher setlist causa alegria («Esta é uma coleção dos maiores sucessos», disse meu amigo no meio do show), com energia que é ideal para um clima de pré-encomenda: a maneira como obtemos piano, ritmo salta, brilho duplo j-flentsh; Balanço da orquestra inglesa de barras, o oprimido (lembr e-se de Nika Low em um terno amplo e com um sorriso torto). Uma mistura de Fanki-Reggy e a rocha «branca» em «The I Light My Camera On», bem como um golpe mais poderoso para o telhado de Nova York, Tom Verelein em «Rent I Pay», parece ser uma transição para «guerra nas drogas» .
Sob o céu noturno, os Filadélfia se transformam em algo muito sedutor de humor: não sombrio, porque o efeito da colher está atrasando, mas um estado meditativo ativo. Aqui, a suposta espessura do som — muitas chaves, várias guitarras, baixo de drones, choque de estados sólidos — nunca se concretiza.
Em vez disso, há clareza e espaço, perfeitamente equilibrados e amigáveis nas condições mais ideais. O ambiente deles abrange e não suprime: ninguém se eleva, tambores e graves une tudo, e cada solo é uma continuação da empresa coletiva, e não a imposição de uma fará.
Obviamente, War to Drugs é uma banda de rock clássica para quem, que, que, que causem grupos como Spoon, tem mais probabilidade de comer o cotovelo do que admitir que gosta de rock clássico. Estes são estreitos terríveis e os anos cristãos de Boba Dylan, Pink Floyd, fumando Bruce Springstine, Alan Parsons, o produtor Neil Yang, Grateful Dead, absorvendo Brian Adams (e, sim, é doloroso mencion á-lo neste contexto).
A guerra contra as drogas pode cantar no penúltimo canção da noite, eu não vivo mais aqui, que «eu preciso de uma chance de reviver», mas essa conta dupla sugere que tenhamos algo mais agradável do que uma vida contínua e limitada.
Dancing Swan Lake Opera Theatre Joan Sasraland 1 de dezembro até 20 de dezembro Revisor: Chantal Nguyen ★ CLE
Afast e-se de Natalie Portman no cisne negro. A versão original dos cisnes do balé retornou — e é culto. Em homenagem ao seu 60º aniversário, o balé australiano coloca o clássico «Swan Lake»: um sonho sobrenatural em um pacote branco é tão lendário que se tornou um sinônimo da palavra «balé».
Ao longo dos anos, muitos repensou o lago cisne: de cisnes masculinos Matthew nascidos (no filme «Billy Elliot») até a recontagem de Graham Murphy 2002 com Charles e Diana (lembr e-se da «coroa», mas com vista para o lago). A versão Murphy foi tão be m-sucedida que os espectadores australianos não viram mais nada há 20 anos. Mas o atual diretor artístico David Hallberg quer que lembremos do original.
E quão magnífico ele é. Esta é a coreografia exaltada de Marius Petipa de 1895 com suas engenhosas mãos cisne, que são passadas da dançarina para a dançarina de geração em geração, como uma chama sagrada. E também — a pontuação de Tchaikovsky, dand o-nos uma das melodias mais elevadas já escritas.
Hallberg escolheu a produção de Anna Wulliams em 1977, mas ordenou novos cenários e figurinos para Daniel Ostling e Mare Blumenfeld. Wulliams manteve quase toda a coreografia petrel, embora seu final, onde o príncipe Siegfried cai contraprodutivamente do penhasco, não é tão espetacular quanto a versão em que os amantes estão se afogando. Mas então a melodia mágica dos arfos de Tchaikovsky soou, e eu esqueci tudo no mundo.
O «lago de cisne» original é cheio de momentos semelhantes, tão bonitos que os cabelos nas mãos ficam no fim. É difícil esquecer a saída dos cisnes, a famosa dança do signor (quatro garotas com mãos cruzadas) e a vista de maços brancos brilhantes contra o fundo de Ink Lake.
O balé australiano lida com a tarefa de reviver essas cenas. No primeiro ato, o Cor deucádio estava um pouco confuso, mas quando o balé foi desenvolvido, ele se aqueceu. Vale a pena prestar atenção a Lill Harvey como a princesa espanhola e o invariavelmente destacado Yuma Yumada em Pa-de-Six.
No papel de Odetta, Benedict Bemet quebra simultaneamente seu coração e é impressionante com seu equilíbrio e habilidade técnica. Seu Odillia toca em sua força, enfatizando o mistério e não tentando dar aos Odilli a raiva aguda usual, que em casos anteriores caiu inconvenientemente sobre o estilo dos movimentos de Bemet.
Eu nunca vi Joseph Kayley mais confortável como o príncipe Siegfried, ele facilmente lida com solo e interpreta uma psique de menino e inquieto de Siegfried.
É maravilhoso lembrar o lago cisne original. A prova de que o clássico nunca morre.
Rinaldo Pinchgut Opera City Recital Hall, 30 de novembro, Revisão de Peter McCalum ★ CLE Nesta produção da ópera de Rinaldo Pinchgut Opera revive a imaginação do século XVIII com a ajuda de um humor jovem e requintado.
O contraenor Jake Arditti realiza uma festa de Rinaldo em uma voz, combinando a suavidade aveludada arredondada, cores brilhantes e destreza. No papel de um jovem herói impecável, seu canto incorporou o destemor do personagem em linhas e ralhas elegantemente construídos das notas de ladrão realizadas com pretensão de pathos.
Ele e Soprano Alexander Omens, interpretando o papel de seu amado Almiren, são idealmente combinados em tom vocal. O dueto deles, na primeira parte, encanta o entrelaçamento sensual de leveza e tensão. Na ária mais famosa da ópera, Lascia Ch’io Pianga, na segunda parte, os presságios começaram com o silêncio fantasmagórico, mantendo o ritmo de imobilidade mal em movimento devido à simplicidade das linhas e à pureza transparente do som.
Em números mais animados, ela cantou em um tom brilhante, rico em cores e sempre com uma apresentação inconfundivelmente correta. E aqui estão os vilões. Adrian Tamburini, no papel de Argan, explodiu no palco no estágio 2 com uma ferocidade de latir e acabamento rude, mas em momentos mais amenos encontrou a capacidade de esculpir linhas com um brilho escuro.
No papel da feiticeira sarracena de Armida, Emma Parson pulou do inferno, seu habitat habitual, com drama vívido e abas vocais selvagens, e suas árias posteriores demonstraram tanques de framboesa que o distinguem contra o cenário da pureza do presságio, representando um Bom jovem desta história. O quinteto dos solistas completou o contrachenor Randall Scotting no papel do padre Almirena, Goffredo, combinando uma presença impressionante e uma voz suave. Seu canto era discreto e as linhas surgiram com cuidados elegantes.
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No papel de Siren Bonnie de la Hunti e Olivia Payne em uma voz nova e um gesto insinuante, Rinaldo atraiu até a morte. A diretora Louise Müller interpretou a fantasia cavaleiro da história com humor condescendente, preferindo se concentrar na vulnerabilidade humana dos personagens.
O design de Simona Romanyuk e a iluminação de Veriti Hampson criaram uma profundidade enganosa da cena do concerto do City Recital Hall com a ajuda de portas que escondem segredos e surpresas, e em algum momento revelando magníficos excessos florais.
Conduzindo o cravo, Erin Hellard construiu o ritmo da obra, capturando com sensibilidade o ritmo e o momento dramático, permitindo que os cantores criem ornamentos elegantes livres, mas não muito complexos. Em uma das árias da 2ª parte, ele assumiu um concerto de cravo virtuoso, com ondas tempestuosas de notas derramando do teclado, enquanto as árias acima se desenrolavam com calma atenciosa.
A sempre elegante Orquestra Antipodeana foi soberbamente complementada por um quarteto de trombetas cintilantes. A ópera é baseada no poema Jerusalém Livre de Tasso, do século 16, e Müller não fez nenhuma tentativa de conectar a história do Oriente e do Ocidente com os eventos contemporâneos, embora no momento final do perdão e na magnífica harmonia do conjunto final a lacuna tenha sido sentida. como uma presença silenciosa.
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