Adicione os artigos à lista salva e retorne a eles a qualquer momento.
O tamanho usual do texto é um tamanho grande do texto de tamanho muito grande
Anúncio
Passou apenas um ano, mas Sydney Modern tem mantido sua primeira exposição real. Até agora, estamos envolvidos em rearranjos em uma coleção permanente, mas Louise Bourgeois: o dia invadiu a noite ou a noite invadiu o dia?- Esta é a primeira exposição mais atenciosa. A Austrália já viu o trabalho dos burgueses em 1995-96 e 2013, mas nada é tão grande quanto essa seleção, na qual a maioria das obras mais famosas do artista, incluindo a versão da Monumental Bronze Spider «Maman» (1999 ), estabelecido como guarda, antes de entrar na entrada no antigo prédio.
Eu conheci essa aranha em pelo menos quatro países e familiarizada com muitos outros trabalhos em exposições pessoais e em grupo, mas com 120 exposições, essa deve ser uma das maiores revisões dos burgueses da história. É impressionante com sua escala e cobertura, bem como o extremo rigor com que o curador Justin Paton escreveu um ensaio para os rótulos do catálogo e da parede, que vão muito além dos textos percentuais comuns. A apresentação é tão altruísta que parece um pouco preciosa.
Uma longa legenda é tirada de uma das muitas notas da burguesia para si mesma, dedicada à sua constante imersão no subconsciente. O nome alternativo poderia ser assim: o programa reflete o caráter do edifício, ou o edifício reflete o caráter do show? Paton e sua equipe aproveitaram a caverna sombria do antigo armazém de combustível sob o prédio, conhecido como «tanque» para criar uma exposição que consiste em duas partes: uma exposição convencional em salas de galerias bem iluminadas no terceiro nível e no teatro extravagância na masmorra.
A burguesia (1911-2010) foi uma artista praticante durante a maior parte de sua longa vida, mas o momento de sua glória chegou ao final de mais tempo, em 1982, quando recebeu uma retrospectiva no Museu de Arte Moderna de Nova York. De uma figura cult, ela rapidamente se tornou uma das mais populares no estágio da arte contemporânea.
De repente, as exposições burguesas começaram a ser realizadas em todos os lugares, e os museus do mundo correram para corrigir a posição do artista, que foi ignorado por muito tempo. A razão óbvia de negligência era que os burgueses eram uma mulher na área onde os homens dominavam, mas talvez também que seu trabalho fosse profundamente pessoal e idiossincrase. Em 1973, 19 mulheres artistas e curadores se voltaram para o MoMA com uma carta, exigindo uma grande retrospectiva dos burgueses. Levou nove anos para que seus pedidos fossem ouvidos.
Agora, tantas exposições passaram pelo mundo que a AGNSW teve que trabalhar duro para criar algo novo. A decisão foi a colocação de metade da exposição no tanque, onde se transforma em uma única instalação. O trabalho é iluminado por holofotes na música escura e terrível toca em segundo plano, a palavra Jenny Holzer domina em uma parede, os filmes de vídeo de todos os lados. Não há atalhos para individualizar o trabalho. Esta é uma experiência abrangente.
Normalmente, aplaudo com instalações ousadas e inovadoras. É melhor se arriscar e falhar, do que sempre aderir a uma fórmula comprovada. Tomemos, por exemplo, o design da Índia Mahdavi para a recente exposição de Bonnar na Galeria Nacional de Victoria. Muitos pensaram que isso era demais, mas meu critério de sucesso ou fracasso era se o design impedia a avaliação de obras individuais. Não acho que seja assim, mas o mesmo não pode ser dito sobre o trabalho dos burgueses no «tanque».
Tendo perdido detalhes, nomes e cronologia, transformamos tudo em um show de terror gótico, os adereços para os quais o próprio artista forneceu. Não há razões orgânicas pelas quais o trabalho deve estar no andar de cima, e não abaixo, porque no porão você pode colocar o que quiser, e isso não parecerá menos ameaçador. A própria natureza do espaço impõe restrições ao tipo de arte que pode ser representada e como ela pode ser representada. Os trabalhos burgueses são melhores para isso do que a maioria dos outros, mas finalmente se cansaremos dessa estética inflexível da casa com fantasmas?
Anúncio
Para os burgueses, a criação de obras de arte era um negócio puramente pessoal. Quase todo o seu trabalho — da menor frase, arranhado em um caderno para uma aranha gigante — foram uma resposta à sua ansiedade e história pessoal. Esta exposição é uma enciclopédia virtual de tópicos psicanalíticos, a ponto de não conseguirmos traçar uma fronteira entre arte e terapia. «Paton cita a burguesia assistente de longo prazo, Jerry Gorovoy, que disse que a missão do artista não estava» fazendo um um Show «, e o dia» ao vivo «.
Há muitos momentos neste estudo em que o espectador se sente excluído, como se Bourgeois estivesse simplesmente se dirigindo a si mesmo. Ela está preocupada em lidar com seus próprios demônios, não em seduzir o público.
Para compreender esta obra, devemos aprender sobre a vida de Bourgeois, sobre os seus pais que reparavam e vendiam tapeçarias em Paris, sobre a relação infeliz entre o seu pai e a sua mãe, e sobre a governanta inglesa com quem o seu pai teve um caso de longa data. Esses personagens – alternadamente amados e odiados – desempenham os papéis mais importantes e ocultos no drama da obra de Bourgeois. A aranha é “mãe”, um monstro imponente e uma criatura que tece e conserta. A pintura «A Destruição do Pai» (1974) em Tank é ao mesmo tempo uma paisagem e os restos de um banquete canibal, banhado por uma fraca luz vermelha. O mito dos filhos que matam e comem um pai tirânico é levantado em Totem e Tabu, de Freud (1912-13), que Bourgeois sem dúvida leu.
A maioria das esculturas de Bourgeois tem uma dimensão sexual, embora também possam assumir formas monstruosas, como Fillette (uma versão mais doce) (1968-99), um falo volumoso pendurado no teto. O nome significa “menininha” em francês. Em «Pair» (2003), duas figuras em espiral de aço inoxidável agarram-se uma à outra, girando no espaço. Em Arc of Hysteria (1993), uma figura sem cabeça é torcida em um círculo para trás em um ato de tortura e acrobacias extraordinárias.
As interpretações do catálogo tendem fortemente para aspectos psicanalíticos, mas dificilmente mencionam que o marido de Bourgeois, o historiador de arte Robert Goldwater (1907-73), foi o primeiro diretor do Museu de Arte Primitiva de Nova York e escreveu extensivamente sobre o assunto. Hoje evitamos o termo “primitivismo”, mas não se pode negar que os modernistas estavam em dívida com o trabalho dos artistas tribais. Esta dívida é evidente em pinturas seminais como Demoiselles d’Avignon (1907) de Picasso, bem como nas Personas de madeira de Bourgeois do final da década de 1940 e nas cabeças e bonecos costurados que ela fez mais tarde.
No terceiro nível existem nada menos que 15 Personas agrupadas numa galeria, semelhante a um cemitério. Seus diferentes personagens sugerem que se trata de retratos de pessoas importantes para os burgueses.
As estatuetas têxteis que surgiram na década de 2000 se assemelham muito aos fetiches encontrados nas esculturas tribais africanas. Mesmo em museus, estes objetos mantêm um poder misterioso, indicando a sua origem mágica. As bonecas de Bourgeois têm notas semelhantes de vodu, como se ela pudesse enfiar alfinetes nelas para ferir seus inimigos ou usá-las como amuletos para afastar espíritos malignos. Eles são implacavelmente assustadores, especialmente a cabeça de pano rosa em The Hidden Past (2004), que está pendurada de cabeça para baixo em um armário escuro.
Estas imagens grotescas podem ter surgido dos medos e tormentos da infância, mas Bourgeois nunca parou de criá-las. Através de anos de depressão, insónia crónica, impulsos sádicos, raiva e remorso, Bourgeois manteve a sua sanidade através da criação metódica de esculturas, desenhos e pinturas. Ela encontrou maneiras de dar forma concreta aos pensamentos que se moviam incansavelmente em seu subconsciente.
Pode haver momentos de impressionante beleza no trabalho de Bourgeois, mas o seu teatro pessoal do absurdo geralmente não é bonito. A forma como este espetáculo está estruturado, num confronto educado entre a escuridão e a luz, faz com que você se sinta um intruso nas fantasias alheias. Há um limite em toda essa arte e melodrama, mas é difícil afastar a sensação de que há algo escondido abaixo da superfície que você não deseja encontrar.
Exposição Louise Bourgeois: O Dia Invadiu a Noite ou a Noite Invadiu o Dia? fica na Art Gallery of New South Wales até 28 de abril.
