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The Chicks Qedos Bank Arena, 19 de outubro revisor: Bernard Zyuel ★ CLE
Viver é bom — a melhor vingança? Sim talvez. Mas ainda melhor — espinhoso, múltiplo e vingança geral, enquanto você vive bem. É assim que fazer isso. Quer saber como? Pergunte aos filhotes, Marty Maguire, Natalie Maines e Emily Streyer.
Homens que se tornaram alvos — sim, quase todos são homens — eles conseguiram o que mereciam: principalmente, esses são maridos incorretos, instrumentos de diálogo da indústria e não instrumentos presidenciais muito brilhantes. E, começando com o Introdutório Song Gasheligter, assertivo, topot de alta percurso, pisoteando um mentiroso pela cidade de Liars («Gasplim, negador, fazendo Assi Ass Farher … repetindo todos os erros de seu pai»), esses homens conseguiram esses homens homens. Gam, e ficou bem.
O vagão de dois spen kovpank, que soa em voz integral, foi fortalecido pela mensagem de Chick: você não pode mais dizer a eles como viver. O fechamento de Seth Power-Ballad não está pronto para ser bom diz que eles não esquecerão insultos pequenos ou maiores.
E o março de março, uma música de guerreiro militar, mostrou que era algo mais do que pessoal, nem mesmo vendo as telas que retratavam manifestantes contra o clima, vidas negras, direitos reprodutivos e controle sobre armas.
A noite terminou com o fato de que uma pessoa particularmente odiosa morreu e foi literalmente enterrada, mas mesmo assim o espumante adeus de Bass Pops se tornou um feriado. E esse é o ponto principal. A energia neste salão não era raiva, nem, estritamente falando, um desafio, era um controle alegre.
Os dedos se levantaram para a merda do marido falcão, que trouxe sua namorada para dormir à noite para o show, e uma mordida zombando do lado da mulher de meia-calça no meu barco (permanecendo do mesmo marido, se interessante ) pertencia a tudo. O lembrete de que eles não precisam de idiotas para se divertir no BigRaphsssea pronto para correr foi gritado com alegria em resposta aos filhotes.
A chamada para fazer algo é melhor para a próxima geração de garotas da música para ela forçar a todos a cantarem junto. A dor de um amante perdida na guerra no soldado viajante foi facilitado pelo conforto de estranhos, e a liberdade de escolha e a possibilidade de erros nos amplos espaços abertos? Bem … «Quem não sabe do que estou falando?»
Em um show elegante e hábil, as harmonias de três partes e a pausa lenta do violino de «Best Friend’s Wedding» foram tão terrenas quanto o conjunto acústico de «Daddy Lessons» que eles tiraram de Beyoncé, e a cautela foi praticamente jogada ao vento para a colheita rápida e a alegria de «White Trash Wedding».
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Sim, Rainbowland de Dolly Parton e Miley Cyrus, uma música em grande parte filler, poderia ter sido ignorada, mas como o cover de blues de Patty Griffin, Don’t Let Me Die In Florida, e o moderno padrão Landslide de Stevie Nicks, foi um aceno para influências, inspiração e companheiros de viagem.
Mas mais do que isso, foi um aceno à unidade e à comunidade. Por seguir em frente e viver bem.
ROBYN ARCHER: AN AUSTRALIAN SONGBOOK Belvoir St Theatre, 19 de outubro a 29 de outubro Resenhas: JOHN SHAND ★★★½
O título pode soar como «The Bloody Australian Songbook», que é o tom que Robin Archer costuma dar ao explorar os anais de Oz. Não pretende ser uma antologia das melhores ou mais famosas canções australianas, mas Archer nos conduz pela mão e aponta as raridades e maravilhas em diferentes idiomas, sempre com uma inclinação para o satírico, o político, o ritual e o feminista.
Como resultado, Archer tornou-se um pouco diferente. Enquanto que ao interpretar Brecht ou Brel ela parece colocar uma máscara, dando-nos uma performance memorizada, aqui ela estava em paz com a sua pele, voz e cultura — uma cultura que ela considera hilariante, desdenhosa, sentimental, mágica ou simplesmente estranha.
Boa parte do material era dela, a começar pela música I am Not Nor Will I Ever Be, que ela escreveu em Londres em 1988 e que confirma o que muitos de nós sempre suspeitamos: ela não é Crocodile Dundee, nem Buzz McKenzie, ou mesmo Germaine Greer. Isto dá o tom para uma mostra que se define não só pelo que não é (museu de sucesso ou nostalgia), mas também pelo que é.
O fio indescritível do que é inclui a magnífica música de Lu Bennett Jaara Nyilamum sobre uma parto, realizada na linguagem Ja-J-Ju-Wurrung, com Arpegio Banjo Cameron Budolla, criando o efeito da pulverização, que pode ser encontrado na natureza do que na natureza do que na natureza do que na natureza no estágio. A composição de Andrew Ford e Ellen Van «The Dark Cloud» foi tão perturbadora quanto a bela, e Max Lambert, que mudou para a música de «Choker’s Lane», é o clássico do teatro musical australiano. Outros compositores são de Kate Mille r-Hidke a Greg Champion e Robert Davidson com seu impressionante discurso sobre a esposa de Julia Gillard.
Uma overdose de uma música country banal torna o show por muito tempo, e a escolha de Archer depende muito do texto, e não da música. Este último foi implementado por George Batrumlis (Acordeão), Enio Pocabon (teclados) e Budollah (Guitar, Bandjo), e todo mundo está cantando. Esta é uma maravilhas íntimas, o que, talvez, gostaria do teatro menor.
A Little Night Music Hayes Theatre, 18 de outubro até 11 de novembro revisor: John Chand ★ CLE
«Little Night Music» é o musical mais lacrimejante já escrito? Tendo tomado como base o filme de Ingmar Bergman, Smile of the Summer Night, que fala sobre as travessuras do casal na Suécia em 1900, seus criadores, Stephen Sondhaim e Hugh Wieler, olhou para a hipocrisia com diversão condescendente, como inevitabilidade. Então eles venceram ingrediente s-chave como flertar, luxúria, sexo, casamento e adultério. O pecado, você vê, pode ser muito civilizado.
Embora esse musical de 1973 muitas vezes possa ser visto nos teatros de ópera, a produção do diretor Dean Bryant, do Hayes Theatre, prova que isso é baseado em um trabalho de câmara, que, como uma prata magro, prefere ser miniatura, não grandiosa.
Pod e-se argumentar que, digamos, «domingo no parque com George» Sondheim supera «Música noturna» como uma obra de arte, mas nenhum outro musical é tão próximo de ser perfeito em suas próprias condições. Isso está parte da não público do tempo, juntamente com a natureza eterna das deficiências descritas, a inteligência brilhante do livro de Wieler e os textos de Sondheim, os personagens ricos e a elegância da música: uma coleção de estilos em 3/4 de tempo.
Em primeiro lugar, este é um musical para atores, e Bryant garantiu que nenhum de seus atores se envolvesse em relacionamentos tensos e complicados. Em um golpe especial, Nancy Hayes — que dá nome ao teatro — interpretou a avó em cadeira de rodas, Madame Armfeldt, pela terceira vez em sua ilustre carreira. Sua atuação é uma aula magistral sobre como confiar nas palavras e transmiti-las com o tipo de contenção que geralmente vem com close-ups na tela grande.
Como ninguém no palco, ela controla as pausas até ao microssegundo, especialmente na sua peça central “Liaisons”. Falando sobre os prazeres sensuais supostamente mais refinados de sua juventude, mistura cansaço do mundo, sabedoria, verdade, fantasia e história revisionista, e inclui os versos: “Leva minha filha, eu a ensinei, tentei o meu melhor para apontar seu caminho . Eu até a chamei de Desiree.
Desiree, uma atriz, é a personagem principal que reacende uma antiga paixão e já está iniciando um caso com um oficial de cavalaria mercurial cujo esporte favorito é o duelo. Blasey Best se junta a uma distinta galáxia de mulheres (de Glynis Johns a Judi Dench) que desempenharam o papel e o tornaram seu. Cantar «Isn’t It Rich?», a frase de abertura de «Send in the Clowns», tornou-se tão difícil para o ator quanto dizer «Ser ou não ser», mas Best se livra de toda a bagagem e simplesmente a deixa viver. em toda a sua honestidade crua e complexidade emocional.
Leon Ford é excelente como Frederick, o advogado ligeiramente úmido e pomposo que Desiree não consegue abandonar, mesmo que algumas de suas pausas para cantar pudessem ter se beneficiado do talento de microssegundos de Hayes. Joshua Robson consegue encaixar sua atuação como duelista Karl-Magnus na escala do palco de Hayes e é perfeito para Ford fornecer o humor.
Melanie Bird é excelente como a esposa atormentada de Frederick (que permanece virgem 11 meses após o casamento), Anna, assim como Erin Clare como a esposa infinitamente mais mundana e cínica de Charles-Magnus, que nos dá um resumo requintado da condição humana: Cada dia é uma pequena morte. Jeremy Campes, Kiana Daniele e Pamelia Papacosta completam o excelente elenco de protagonistas.
A orquestração reduzida e os conjuntos simples de Jeremy Allen harmonizam-se com o conceito de Bryant. O elemento negativo é o som. O show deve ser vocalmente contido e musicalmente gracioso. Em vez disso, o som era irregular, muitas vezes muito alto e às vezes completamente rouco. Se isso for corrigido, uma produção excelente coroará um ano forte para Sondheim em Sydney.
Enmore Theatre do DMA, 14 de outubro Críticas: MICHAEL BAILEY ★★★★
«DMA’s? Esta é uma noite de premiação ou algo assim?»um amigo perguntou depois que eu compartilhei minha escolha de entretenimento para sábado à noite.
Está claro que a banda de rock mais popular de Sydney no momento ainda tem muito trabalho a fazer antes de lotar os estádios. Mas as músicas do trio de Newtown já são ouvidas, como este show eufórico e revigorante já provou repetidas vezes.
Todos os ingredientes para o apelo do DMA estavam presentes na salva de abertura em um teatro lotado, a faixa-título do quarto álbum de março, How Many Dreams?
Sons de sintetizadores retrô giravam, pedindo permissão enquanto a banda caminhava e se conectava. Levantando o violão até o ombro, Johnny Took introduziu uma batida rítmica de oito compassos.
Em seguida, o guitarrista Matt Mason martelou um riff tão nítido quanto a aba de seu boné de beisebol e comandou os contratados na bateria, no baixo e na segunda guitarra rítmica para dar essa permissão em um tom maior que era óbvio, mas também completamente alegre. de dança e rock.
Enquanto o mosh pit balançava e saltava ao mesmo tempo, um ingrediente chave para o sucesso do DMA — em particular os dois últimos discos do Top 5 do Reino Unido — foi revelado na forma dos vocais de Tommy O’Dell.
Comparar DMA com The Stone Roses e Oasis é tão preguiçoso quanto um crítico musical deveria ser, e embora O’Dell não seja nada parecido com Ian Brown ou Liam Gallagher, a conexão era óbvia esta noite. Todos os três têm alcance vocal limitado e raramente cantam letras com significado literal. No entanto, eles fazem você sentir algo quando cantam.
Por exemplo, as palavras “quantos sonhos para descobrir o que você perdeu?”- isso é um absurdo no papel. Mas de alguma forma, quando a voz clara e forte de O’Dell as cantou esta noite, elas fluíram para a música e se tornaram uma declaração que muitos de nós só poderíamos dar um soco no ar de acordo.
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Os DMAs sabem que têm uma fórmula vencedora. Eles estavam tão confiantes em sua capacidade de entusiasmar o público que tocaram seu maior hit Silver e seu cover conquistador de Triple J de Cher’s Believe na primeira metade do setlist.
Ainda assim, a energia na sala permaneceu alta, alimentada pelo riff dolorido e pelo refrão matador de Olympia, pelas baladas de tela grande Hello Girlfriend e In The Air, e outro híbrido confiável de house-rock, Something We Are Overcoming. O’Dell e Took faziam gestos frequentes de «todos de pé», mas já estávamos lá.
Depois houve um pico ainda maior quando Tuck apresentou a estrela pop Ruel, que ajudou a estrear DMA em uma colaboração cativante e comovente destinada ao rádio.
Ondas de rádio e arenas são um lar natural para a música do DMA, como comprovado por seu indelével primeiro single Delete, seguido pelo encore Lay Down e Everybody’s Saying Thursday’s The Weekend.
No entanto, seu status como músico renomado pode exigir que o DMA revele mais de si mesmo em suas canções. Eles subiram tão impressionantemente hoje que só poderíamos imaginar o que fariam com as coisas mais próximas do solo.
Jogue para se divertir, não para ficar cego
Lilya Zilbershtein em recital apresentado pela Orquestra Sinfônica de Sydney City Concert Hall, 16 de outubro Revisor: PETER McCALLUM ★★★★
Lilya Zilberstein tocou o início do primeiro «Moment Musicaux» de Schubert com elegante melancolia, descansando na nota máxima da frase por tempo suficiente para soar uma nota de arrependimento. O som que ela criou ao piano nessas joias era redondo e perolado – perfeitamente adequado ao sutil formato cônico que ela trouxe para cada ideia.
De tempos em tempos, e, o que é especialmente memorável, nos episódios menores intermediários do segundo movimento, surgia um clima de expressão mais intensa. Mas no geral o tom era ternamente reverente, cultivando aqueles momentos de Schubert em que ele encarna a essência do que é ser musical.
A segunda parte da primeira parte deu continuidade ao tema de Schubert, embora não exatamente como o compositor havia imaginado. Consiste em quatro transcrições de canções de Schubert para piano solo que Franz Liszt fez em 1838, inicialmente para arrecadar fundos para seus conterrâneos húngaros afetados pela enchente do Danúbio.
Liszt descreveu a combinação de voz e piano no mesmo teclado com grande imaginação e algum embelezamento, e estes arranjos revelaram-se muito populares, embora a maioria dos pianistas que constituíam o seu mercado considerassem as suas dificuldades esmagadoras. Os pontos fortes particulares de Silberstein como musicista residem em seu lirismo poético ao piano e no tom distinto de seu conceito musical geral.
O virtuosismo não cria momentos de excitação e coragem, mas permite que a ideia lírica mostre o caminho. A canção «The Wanderer» de 1816 tinha um dramatismo agourento, e «Schänchen von Shakespeare» manteve sua afetação e charme graças aos desenvolvimentos virtuosos de Liszt. Em «Gretchen am Spinnrade» Silberstein silenciou o motivo da «roda giratória» e o deixou em segundo plano.
Nos treze prelúdios de Rachmaninov, Opus 32 após o intervalo, Zilrstein aprovou novamente a idéia poética em cada edição, e a maior impressão foi causada pelas obras onde a melodia dominava. No prelúdio nº V, a mão esquerda deu um acompanhamento açucarado da linha superior da Florid transparente está sobrecarregada com arabesques ornamentados.
No prelúdio VII contra o fundo de uma melodia de ponta picante, um sussurro permanece nas partes internas. No prelúdio do XII, o foco era uma melodia celular carinhosamente rica na mão esquerda com padrões de luz tremeluzentes à direita. As texturas mais densas de obras como o prelúdio dos XIII foram tempestuosas, mas não violentas. Foi um jogo que precisa ser apreciado, e não cego.
Uma performance criada do amor e do amor
O desaparecimento Chippen Street Theatre 12 de outubro até 22 de outubro revisado por Cassie Tongue ★ CLE
Um teatro independente em Sydney enfrenta problemas impossíveis: pressão financeira, especialmente em uma crise do custo da vida, falta de lugares e a luta por atrair espectadores com um grande número de opções de entretenimento do que nunca. Os artistas independentes gastam pequenos orçamentos para fazer qualquer coisa do nada — cada dedução é criada com grande dificuldade, por amor e aut o-sacrifício.
Tomemos, por exemplo, a peça «desaparecimento», que agora está no teatro da Chippen Street (uma caixa preta de 50 lugares e o local do Sydney estedfod). Baseado no romance de Keen Platt de 1968, «um garoto que poderia se forçar a desaparecer» e sua adaptação cinematográfica de 1973 «Baxter!», Esta peça é obra de amor. Salomão criou a floresta em 1975 e a colocou em 1990 como um projeto de teatro juvenil. Esta é a primeira produção completa, liderada por Salomão.
A história é complexa e didática, mas profundamente sentida: Roger (Gordon Vignel), nascido na Califórnia, não é fácil. Seus pais (Joe Clements e Kat Gordon) trataram Roger cruelmente, frequentemente usando seu defeito de fala como alvo.
A situação só piora quando Roger chega à sua terra natal em Sydney. Ele encontra novos aliados na pessoa do fonoaudiólogo Dr. Clemm (Rebecca L Matthews) e seus vizinhos, um modelo fofo (cintura Sigsworth) e seu parceiro — o famoso chef (Andrew Lindvist), que leva Roger sob suas asas. Mas, à medida que as coisas estão piorando em casa, a saúde mental de Roger piora.
O cenário acabou sendo rude e o script tem o peso do peso. Parece obsoleto — o que não é surpreendente, dado que o primeiro rascunho foi escrito há quase 50 anos — e há uma discrepância entre os tons e os personagens dos atores, que nem sempre parecem parte de um mundo.
Mas esta é uma performance criada a partir do amor e do amor; Ele acredita tão claramente atraindo a atenção para os problemas da saúde mental e da violência. Vigneles, Sigsworth e Lindvist encontram algo terno e presente no espaço seguro que eles criam juntos para Roger, e quando esse refúgio é mais tarde destruído, você pode se surpreender ao sentir que lamenta sua perda.
É para isso que existe um teatro independente: contar histórias em que os artistas acreditam, criar arte porque devem e encontrar um lugar para artistas em todos os níveis de habilidades e experiência para fazer seus próprios negócios e aprimorar suas habilidades . Embora existam espectadores e sites onde eles podem se encontrar, esse trabalho vital continuará e os artistas se adaptarão, estudam e abrirão novas profundidades. O setor artístico só se beneficiará desse experimento contínuo com experiência, jogo e crescimento.
